㈠ 想看近几年来的国内外艺术电影片有那些
没有什所谓的艺术电影，这种完全描写生活的或者完全艺术流的电影是区别于一般的大众化电影而言，一般的商业片往往有设计精妙的故事结构和一大群明星出演，遮掩观众看的够劲爆。
近几年的艺术片也有一些十分优秀的影片，从地域来说，欧洲对人物和细节的刻画是十分的到位的，这种电影往往给人以美的感觉，推荐你找一下克日什托夫·基耶斯洛夫斯基的三部曲《红》《白》《蓝》
《红》他是最后一部电影，拍完以后第二年就死了，可以说是遗作吧！最可恶的就是昆汀·塔伦蒂诺的《低俗小说》把奖给抢走了！这是让我十分愤怒的。
在我一边的同学也向你推荐一部日本电影《你给我的夏天》我没看过，但是据说很感人。《新桥恋人》这部电影也是十分优秀的，其中的女主角就是《蓝》的女主角。
但是从我个人来说，只限于现在的几部电影是十分不好的。简介要开阔嘛！
这里我就推荐几部电影给你吧！
《甘地传》 《红樱桃》 《理发师》 《橡皮头》 《裸体午餐》
《我的1919》《海南鸡饭》《铁皮鼓》《黑板》《何处是我朋友的家》《回归》《青红》《十七岁的单车》（禁片）《苏州河》（禁）
《暗恋桃花源》（电影版）《城南旧事》《中国占领巴黎》《机器管家》《情浓巧克力》《超市夜未眠》《大象》《燕尾蝶》《关于莉莉周的一切》《爱的捆绑》《豚鼠系列》《意大利食人族系列》哼哼～～～《勇敢的心》《北非谍影》《中国姑娘》（戈达尔）《39级台阶》《鸟》《日出之前》《日落之前》《我们俩》
就写到这吧！记得给我加分哦！！！
㈡ 推荐10部优秀的文艺片，最好是外国的
《看得见风景的房间》詹姆斯·伊沃里优秀作品。
《理智与情感》（S&S），李安导演的，英国群星主演的，非常细腻，推荐！
《布拉格之恋》根据捷克流亡作家米兰·昆德拉名作《不能承受生命之轻》改编，茱丽叶·比诺什、丹尼尔·戴·刘易斯主演。
《傲慢与偏见》（P&P）电视剧版，和（S&S）同样根据简·奥斯汀小说改编。
《基督山伯爵》电视剧版，杰拉尔·德帕迪约主演。
如果你喜欢道德焦虑型的、思想深刻、引人思考的作品，那请看看：
法籍波兰电影大师基耶斯洛夫斯基的四部不朽之作：
1、《薇洛妮卡的双重生活》（两生花）
2、蓝白红三色之《蓝》
3、蓝白红三色之《白》
4、蓝白红三色之《红》
向大师致敬！
安东尼奥尼不朽之作《云上的日子》（欧洲群星出演），以及《放大》
法国投资最高的文艺片《新桥恋人》，茱丽叶·比诺什主演
苏菲·玛索（我的女神）与前夫安德烈·佐拉斯基最后一次合作《忠贞》
罗曼·波兰斯基优秀作品《苦月亮》
当然，还有浪漫、温馨的爱情文艺片优秀的作品，它们在讲述爱情的同时不失深度：
《芳芳》苏菲·玛索、樊尚佩雷主演。法国每年情人节电视台必放影片。
《心火》苏菲·玛索主演
《四个婚礼和一个葬礼》休·格兰特、安迪·迈克道威尔主演。
《两小无猜》马丽昂·歌迪亚、吉罗姆·卡内主演。
《爱在日出时》、《爱在日落时》茱莉·德培、伊桑·霍克主演
还有优秀的战争、政治文艺片
《屋顶上的骑兵》茱丽叶·比诺主演
《玛戈皇后》伊莎贝拉·阿佳妮主演
其他的优秀的作品：
《鹅毛笔》凯特·温斯莱特主演
《纯真》很另类的一部唯美的片子，神秘剧情。
《致命化身》朱莉娅·罗伯茨、约翰·马尔科维奇主演。
㈢ 想了解一些文艺电影的资料，最好是国外的好的电影
《海上钢琴师》（The Legend of 1900）
真实还是想象
无论是编剧还是导演，都在这里玩了一个大大的花招。本来这不成一个疑问，英文名字中"legend”本身就包含有 "传说”之意（意大利原文是什么呢?）。但是影片一开始导演却让迈克率先登场，而他所有的努力都是想让大家相信1900是真实存在的。自然所有的听众都像我们，既对他的话抱有怀疑，又对他的故事充满兴趣。所以那个乐器店老板最后才会站起来，伸伸腰懒懒地说："好了，你的故事编得真好，可是我们的店要打烊了。”
没有人相信1900是真实存在的——也许除了迈克和导演。但是导演真的相信1900存在吗?其实他的这种拙劣的"伎俩”正表明了他是最怀疑的一个。真正的相信是不需要试图对别人进行说服的。那么他在这里实际上利用了人们的不相信作为了讲故事的一个策略。但是我不能不说这种策略并不见得有多高明，因为这是已经被用滥了的一个手段。而到最后，导演还让迈克试图去挽救1900显得更加的拙劣，导演弄得太"现实”了，以致于故事失去了传说的那种美。
看到所有的人在迈克的努力中被弄得晕头转向，我不由暗自发笑。他们似乎最后都被迈克说服了，相信了有这么一个怪癖的天才存在。而我更吃惊的是，最后的迈克依然那么年轻，而在此之前他的名声早已远播，为什么似乎除了迈克没有一个人知道他，而需要迈克那么费神地去一个个说服?
无主题变奏
这部影片很难让人找到一个合适的主题去分析。从一开始1900就存在于船上，并令人神奇地无师自通地掌握了弹钢琴这样一个高难度的音乐本领。他一开始没有下过船，我们无法分析原因，我们只看到了导演给我们的呈现。这时他还没有看过陆地，所以他不可能产生最后的那个念头，要不就无法理解他曾经产生过到陆地上转转的念头，并几乎把它付诸于实践。这时我们只能把他没有下过船这个事实解释为他没有想过下船，或者是他相信了他那黑人爸爸的话，岸上有吃人的大鲨鱼。但是很显然，后者除了在他不懂事的时候有可能产生效果外，在他成年后恐怕是无法再产生那样的影响的——否则我们只能把他解释为白痴。所以这时他的不下船只能说是一种偶然，而没有原因，没有原因也就没有意义上的价值。他后来听到了那个农民诗人（他能听到海的歌唱，并说出那一席话，不是诗人是什么?）的话，开始对岸产生了一种向往，这更与整个影片的精神主张相悖逆，此处岸反倒显得更有神秘感，而意义重要。再到后来，他遇上了那个女子，爱情产生了，他上岸的冲动更加强烈，终于他要下船了，这让我们的心悬了悬，我们兴奋而紧张，然而就在这时出现了那经典的一幕，在船舷上，他潇洒地把礼帽扔到了大海里，然后重新回到了船上。我们说，直到这个时候他不下船的想法和行为才具有了真正的哲学意义，并凸现了价值。然而此时他的人生已经临近结束，影片也即将结束。那么从整个影片来看，我们怎么分析它始终贯穿统一的主题呢?
真诚还是虚伪
影片中最精彩的一段可能就是1900与爵士乐鼻祖的那段比拼。但是那段太戏剧化了，也就显得太做作了。先不说爵士乐手，1900那似乎真诚投入的感动也让我不是十分舒服——但我不能不承认那一刻他感到了我，能为自己的对手鼓掌的人是值得人钦佩的。一对一的比拼进行得很激烈，导演运用了各种能够想得起来的手法对整个气氛进行了烘托（但是我要说这些手法都没有新意，比如说通过观众的表情来侧面表现），等1900被迫弹起《圣诞之歌》时我的心很激动，我以为真正的精彩就要出现了，等到1900重复爵士乐手的演奏时我依然对导演抱有期待，但是等最后1900弹起那首令观众激动万分，也让银幕下的影迷激动万分的乐曲时，我却感到了失望。导演还是无法自拔地落入了俗套。他以为弹得快就是好音乐吗?那么大家都比快好了！这让我想起金庸的武侠世界，在那里，真正的高手往往是不屑于用武器的，或者是用最钝，如未开刃的黑铁，或小孩子用的玩具，如木剑，甚至树枝、木条等等作为兵器。而他们的武功往往也是温和的，如太极拳，但是因为他们是高手，所以他们释放出来的力量又是最强大的。我本来以为1900也会是这样的高手，他弹最简单的《圣诞之歌》，弹爵士乐手弹过的乐曲，外行人是吃惊的，不理解的，但是高手如爵士乐鼻祖者他应该是能听得出平凡中的不平凡的，同样一首曲子，在1900的手里却像获得了新生命，正是这让他黯然认输。我想这总比让1900拿跟香烟燃钢丝要有意思的多吧。
还有1900一开始是退缩的，他似乎不能理解爵士乐手为什么要同他比赛，他"真诚”地为爵士乐手鼓掌，并感动得泪水长流。但是他似乎忍受不了爵士乐手的一再相逼，终于暴露了真面目，有点恶狠狠地对爵士乐手说："混蛋，这是你自找的！”这句话让我吃了一惊，一瞬间他开始的真诚在我的大脑里都化为灰烬，只留下了他此刻的表情，他刚开始的真诚此刻仿佛带了点阴暗的色彩。我不喜欢他这样，我倒宁愿他一直傻傻地傻下去。他不要跟人争斗，他就是他，一个纯粹的与世无争的只爱音乐的天才！
爱情小插曲
看到一半的时候，1900还没有表现出一丝对女人的兴趣，这让我有点暗自着急。我认为一个没有下过船的人，爱情对他来说可能更富于传奇。以他当时的名气，他的身边应该环绕着数不尽的美丽的女人，她们应该为他着迷，他也沉浸其中，享受爱情的甜美。但是不，导演似乎忽略了这一点，只让一个肥胖的小号手追随在他的身边。然而到了后半部，导演似乎终于觉得有必要关注关注这位传奇年轻人的私生活了，于是给他安排了一次奇遇，而碰巧的是这个女主人公正是曾给他过影响的那个农民诗人的女儿。她也正好是要去找她的父亲。因为她的出现促成了以下几件事情：第一，1900完成了他唯一一张唱片中的那首乐曲，从这一点上来说，她，或者爱情，给了他灵感；第二，因为她没有能接受他的礼物（奇怪的是她说的话他都听到了，而且那时她离他更远，且她的声音肯定不如他的大。唯一的可能的解释是他处于下风口。但是从常识上判断，他处于上风口的可能性倒更大一点。），所以他把那唯一的一张唱片毁掉了（迈克把它修整好，塞进了钢琴里，但是也许他应该把它收藏起来留个纪念更好，他不怕1900再把它毁掉吗?）；第三，因为她（当然也因为她的父亲），1900准备上岸去生活，去听听大海的声音。并间接促成了他那个伟大的念头。从这里来讲，那个女孩子的出现是恰当的，但是他们的爱情总让我有一种可有可无的感觉，仿佛只是为了完成一个仪式，或者如上面所说推动故事情节的一些发展。因此在这里她只是起到了一个道具的作用，爱情是不存在的。
为什么要去死?
1900 最后的死让人心里很难接受。如果要怪的话，我认为应该怪导演。因为1900完全是可以不死的。不是吗?1900惧怕上岸，只是因为他感到陆地太远了，城市远得看不到尽头。这让他心里发慌。他怕自己陷入到这种无穷无尽中去，从而无法再纯粹地沉浸于音乐之中。因而套用一个朋友的话来说，"他要的是纯粹。”他熟悉——也是他感到最舒适——的世界就是一条那样的船，每次人再多也不过2000人。他就生活在琴键上，而琴键也是有限的。从始至终，他表达的都是一个"空间”的概念，他不是天生喜欢船的，也不是天生就要生活在船上的，只是他习惯而且不得已。并且他表达的"船”并没有强调必须是"此船”，那么我们完全可以理解，换一条船他同样可以快乐地生活下去。那么我们为何不给他换条新船，而必须让他跟这条旧船一起死去呢?
这样的质问也许会让导演、也让所有的观众尴尬，这将使故事的结局急转直下，并失去那一层人为抹上去的浪漫色彩。
也许我这样的分析太冷酷，也太不艺术化了！
一个浪漫化的结尾想象
尽管我说这是一次非浪漫化的旅程，但是并不表示我就那么反对浪漫化。事实上，不管是对《海上钢琴师》，还是对《树上的男爵》，对他们的结尾我都抱有遗憾。我想，如果是我的话，我绝对不会那样去处理，在我的想象中，1900应该神秘地消失，也就是说迈克不应当找到1900，而是在他最绝望的时候，突然听说在某个船上有一个天才的钢琴家，他的演技无可挑剔，他的乐声美妙动人，而且——据说他从不下船。从别人的描述里，迈克意识到那个人很有可能就是1900，这时一丝甜蜜的微笑悄悄地在迈克的脸上绽放，于是音乐响起，是1900狂风暴雨似的钢琴声，在琴声中镜头转向大海，海上有美丽的船只，船只背后是美丽的晚霞，船只成了一个个美丽的剪影。琴声像是从每只船上飘出来的，那么多，那么急骤，仿佛有多个1900在一起弹奏似的。于是字幕升起……
同样，男爵没有必要拉上那个热气球，他应该在某一天，突然沿着树向远方爬去，越爬越远，渐渐地在众人惊讶的视线里变成了一个小点，最后连这个小点也看不见了。后来人们再也没有见到过这个终生没有下过树的男爵……
什么是权力？当一个人犯了罪，法官依法判他死刑。这不叫权力，这叫正义。而当一个人同样犯了罪，皇帝可判他死也可以不判他死。于是赦免了他。这就叫权力。
——《辛德勒名单》
辛德勒是一位德国人，也是一个成功的商人，利用德国的战争，诱逼犹太人投资，再雇佣廉价的犹太人做工，在这让充满了杀戮与硝烟的年代大赚了一笔钱。但当他重新思考人类存在的意义，而不仅仅是个人的财富之后，他开始用战争期间赚来的金钱买下一个个必遭集中营厄运的犹太人：卓斯纳、维恩、罗斯纳、费佛堡、费雪、夏法、伍兰克、霍洛维兹……最后，幸存的犹太人用自己保存下的一颗金牙，也是他们战后仅存的唯一的财富所有，为辛德勒铸成了一枚戒指，并在上面刻了一句犹太法典上的希伯莱经文：“救一条命等于救全世界。”辛德勒哽咽地说：“我花掉了太多钱……我本可以……这辆车——十条命……这枚胸——两条命……”
生活就像一盒巧克力：你永远不知道你会得到什么。
――《阿甘正传》
阿甘的智商只有可怜的75，但阿甘脑袋里的世界却是令我们意想不到的世界。他代表的似乎更多的是一种刻意自我矮化的美国精神，笨拙但努力，只要活着便竭尽全力。他周游着历史，自己也成为历史的一部分，他见证着一切，自己也变成了一切中的一份子。奔跑，奔跑，不停的奔跑，似乎已经成为了阿甘超然物外的精神体现。他就如一片羽毛，飞舞出自己的天空。
阿甘的青春里似乎没有什么遗憾，因为他很少回头来估计自己的损失，对于他的人生，也许可以用两段话来概括，"生命在于运动""永不停止尝试！"
从前有个人对我说，别要任何附属品，在你的生命中，不应该有任何你不能在三十秒内抛弃的东西。
——《盗火线》
警察与贼天生就是一对冤家，而他就是一个警察，他就是一个贼。他说：我不能任由你们纵横霸道我终将为你们送葬。他说：我一定等到最后。两个男人的故事是不乏温暖的。
他们注定要在这个伤心的城市里展开追逐的游戏，天生注定他们就背负了不同的使命，这让他们只能各走各的，然后决一死战。
电影中，劫匪之一基斯的妻子被警察拘禁变成诱饵，当基斯看见阁楼妻子，他的爱人却含着泪摆了摆手让他赶快走，那一刻基斯那种放不下的神情让人过目难忘。
要么忙着生存，要么赶着去死！人总是要做点什么的……
——《肖申克的救赎》
这是一个关于囚徒的故事。因为被诬告谋杀自己的妻子和妻子的情人，年轻的银行家安迪被法庭宣判终生监禁，在壁垒森严中，对自由的渴望时时刻刻磨砺着他的意志。“希望是人类最美好的拥有,只要自己不放弃,希望就会永远相伴相随”。安迪很认真地对几个好友说出这样的话，换来瑞的沉默，过了片刻，瑞才缓慢地说，希望是危险的东西,是精神苦闷的根源。然后，瑞没有再抬头看安迪一眼，他离开了饭桌，安迪则静静地目送他离开。镜头上摇,看见铁窗外令人神往的天空……安迪始终没有放弃用自我救赎去寻杂自己的精神家园，他似乎始终在自由信念的引导下，在这不可逾越的高墙内，用自己的意志进行着艰苦的抗争，于是,他用了19 年的时间，挖开了一条常人几乎要挖600年的隧道，他在500尺的粪坑中匍匐前进，魔鬼的黑暗与上帝的光芒如同压在一层薄纸的两端，而安迪知道，他所向往的海水与天空已经近在咫尺，他终于用自己对黑暗制度的背叛与追求自由的理想缔造了一个现代的神话。
上帝会把我们身边最好的东西拿走，以提醒我们得到的太多。
——《四根羽毛》
史诗式电影《四根羽毛》原本是一部描述荣誉与恐惧的英国文学名着，从1920年始已被六次搬上银幕。故事讲述的是1898年英国与苏丹开战，一名即将新婚的贵族军官哈利在接到开赴北非的命名后，怀着莫名的恐惧在出征前的一晚决定退役。这一举动在民族主义高涨的英国上流社会掀起巨大波澜。他的未婚妻和三位朋友一道，扔给他代表着耻辱和藐视的四根羽毛。四根羽毛分别象征着“自由、祖国、荣誉和激情（Freedom、Country、Honor、 Passion）”四种价值被临阵退逃者抛弃。哈利四处流浪之后决定独自前往北非，他化装为阿拉伯人，在沙漠战役中经历磨难，克服恐惧，最终将他沦陷敌手的朋友一一救出。在故事中一名职业军人的命运与个人的荣辱形成了鲜明的比照，它让人们惊讶地发现，剥离英雄尊贵的外衣，裸露与阳光下的竟然也只是一颗世俗的心。
都市求生法则第一条——遇到危险的时候不要喊救命而要喊失火了！
——《七宗罪》
人性本恶似乎一直是西方价值体系与文化观念的主流。在电影里，七罪、七罚、七次下雨、故事发生在七天，甚至结局也被那个高深莫测的罪犯定在第七天的下午七时，无处不在的“7”仿佛一道蛛网暗示着观众：它是承载宿命的罪与罚。在自私、贪婪、充满欲望的大都市里，上帝曾发动过洪水来洗涤人类的灵魂，而那个罪犯却似乎只想用鲜血来召唤那宿命的审判。
据说，“Seven”西方的在宗教上是个神秘的数字，这一点在旧约中有最充分的表现。上帝用七天造亚当，取出亚当的第七根肋骨造了夏娃。撒旦的原身是有七个头的火龙（《启示录》第十二章第三节写道：“有一条大红龙，七头，也戴着冠冕……”
千万不要恨你的敌人，这会影响你的判断力。
——《教父》
冷静的法则与狂热的欲望似乎永远都是孪生的兄弟。哈耶克曾说，在这样一个社会里，法律只具有“形式规则”
的作用，任何人都不可能确定地借此形式规则来达到自己的目标。但是教父却似乎是可以自由游走其间的骇客，只需要用很简单的一段代码，就可以催生出一个巨大的病毒。规则在他们的手中只是用来束缚凡人的工具，而只有“利己”才是最终目的。他们以自己所信奉的方式来决定取舍，以弥补法律在自由社会下的不足。
维托.科利昂解决问题的方法就是构建一个以宗教为掩护的家族，当然，这个家族里，维托.科利昂有他的信仰，那就是他从来都是不动声色地来贯彻他的主义。
道德似乎在这里变成了遮羞布，而手段才是决定一切的发家之路……
——《天堂电影院》
这是一部温情的电影，每个画面都可以带你在记忆里翻山越岭。
一位母亲正因远方的儿子而憔悴。她那多年前离家的儿子现已是罗马着名的导演。儿子回来了，他是来参加老放映员也是他最重要朋友的葬礼的。
在他的童年时代，村民们都喜欢到镇上的“天堂电影院”里看电影。慢慢的，还是小男孩的也与老放映员结下了深厚的友谊。再后来，小男孩在一场胶片引起的火灾中救了老放映员，老放映员的眼睛已经什么都看不到了，小男孩当上了放映员。后来男孩长大了，他爱上了一个女孩，但结果女孩与家人搬走了。男孩接受了老放映员的劝告，远走他乡。
三十年后，成名的Salvatore回来参加老放映员的葬礼。老放映员给他留了一份礼物，那是当初被镇上的神甫勒令剪掉的吻戏胶片，每一场吻戏，每一场吻戏如走马灯般在宽大的
选择生命，选择工作，选择终身职业，选择家庭，选择 xxxx大电视，选择洗衣机，选择汽车，选择CD机，选择健康，选择胆固醇和牙医保险，选择楼宇按揭，选择买第一所房子，选择你的朋友，选择分期付款的三件套西装，星期天傻乎乎收看无聊电视，边看边吃零食，选择苟延残喘，选择在老人院尿床，在像你这样的家伙面前丢脸……
——《猜火车》
“我们生活的世界，就像一个垃圾场”，如果说何勇的高亢是一种醒着的痛，那么马克的愤怒更像是一种被麻醉后的苏醒。
这是一场酝酿于青春期的暴动，一种叫揭竿而起的反骨，一次不愿意回家，只愿在冷冷的街灯下孤独游荡的叛逆。
这电影仿佛有一种呼喊，要么砸碎这万恶的社会做一个彻头彻尾的混蛋，要么完全的融入其中，当一个随波逐流的傻蛋。
他们寻找着他们自己的生活，用大麻或者钞票去咒骂周遭的一切，你也说不清他们是睡着的，还是醒着的，“薯仔”说：“时装在变，音乐在变，迷幻药在变，一切都在变。”
马克终于“醒悟”，在出卖朋友后，大笑着扑入那个他曾经鄙视的世界。这也许只是一个开始，也许是一次结束，但影片早就已经告诉我们：当马克钻进那个肮脏的抽水马桶，一个新的世界就已经诞生了。
世界上总有一半人不理解另一半人的快乐。
——《爱玛》
根据简·奥斯汀的同名小说改编的电影《爱玛》是英国与美国1996年联合出品的彩色片。
影片以爱玛·伍德豪斯这一漂亮、聪明、性格开朗的年轻女子为主角并充作穿线人物，通过诸多男女之间的爱情、婚姻关系，向观众阐述了两个观点：
其一，婚姻应该建立在感情基础上。其二，成功的婚姻必须门当户对。
但什么是爱情呢？在一部瑞典电影中，有两个男人互相谈论女人，A对B说：别傻了，她们根本不需要爱，她们需要的只是重视，独一无二的重视。大仲马曾说，其实世界本没有快乐与痛苦的区别，有的只是一种状态和另一种状态的比较！死去的人不会欺骗我们。
自由就是这么来的可奴隶也是这么来的。
——《勇敢的心》
事实证明，人民的自由并不是靠法学家们精心编纂的字眼或者君主们大发善心而得到的。自由对于无产者来说，失去的是锁链，得到的却是整个世界。《勇敢的心》以恢弘的手臂描绘了压迫与自由之间那种剑拔弩张的对抗，这种对抗大多是不能以个人意志为转移的，他更多的是来自于社会结构的矛盾。
对于一个努力来说，自由的含义也许仅仅意味着他的脊梁不必再受到鞭挞，他可以想做自己想做的事情。威廉·华莱士其实追求的更多的是一种“天赋人权”，哪怕流干鲜血。这种精神令人敬畏。但时代的先行者们往往只能用眼睛洞穿那几百年后的变迁，因为醒来得太早，他们大多郁郁而不得志。在教条主义盛行的中世纪提倡自由意志，就如伽利略发现地球是圆的。威廉·华莱士追求的意义就在于，虽然注定失败，但毕竟触痛了那根神经。
苍蝇不会恐惧，苍蝇也不会感到羞耻......苍蝇也不喜欢政治......"。
――《苍蝇》
这部带有科幻味道的电影曾该片被评为有史来最恶心的影片之一，故事讲述的是一位科学家成功地完成了一项将有机物分解后异地合成的实验。就在这位科学家拿自己进行试验时，一只苍蝇混进了容器，合成的结果是科学家有了一个苍蝇头，而苍蝇有了一个人头。这种惊世骇俗的想象力加上一定的科学理论当做证明，显然引起了人们心底深处的恐慌。而在另一个世界，重组一个自我，似乎更像是对什么才是生命的本质作出的深刻探讨，哪怕它的形式有点让人无法接受。而对生活的思考，对政治的深刻理解，则更像是一个寓言故事。
据说镇压斯巴达克斯的大奴隶主苏拉在涉足政治以前是个心地善良的青年，古希腊传记作家普卢塔克在他的《希腊名人比较列传》中说，年轻时的苏拉天真活泼，脸上挂着笑容，极富同情心，常常会因为同情而潸然泪下。然而到了后来，他却变得残酷无情。尽管他以权力和荣誉会败坏人性为由谴责过分地占有权力和荣誉，但是他并不努力去限制自己的权力欲和荣誉感，而是拼命地去追求。他不仅使自己在追求权力荣誉时变得残酷无情、丧尽天良与人性，也使他的竞争者们变得残酷无情、丧尽天良与人性。
所以路易斯?博洛尔说，政治使人变得罪恶。
当你年轻时，以为什么都有答案，可是老了的时候，你可能又觉得其实人生并没有所谓的答案。
――《堕落天使》
杀手将在明天死去，爱情只是寂寞的慰籍，《堕落天使》似乎只想告诉人们一个道理，这世界没有你真正要的坚持。
生活就像我们上小学时候的算术题：有一个水池N立方米，进水管每小时进水A立方米，出水管每出水B立方米，请问什么时候水池是满的呢？没有任何一个公式可以计算生活。成年以后的你就会明白，进水管是你得到的人生体验，出水管是你消耗的青春，而这个水池永远不会注满，它代表不可能完美的人生，里面是空虚、挣扎与茫然。但是我们终究还是要面对！
我们要学会珍惜我们生活的每一天。因为，这每一天的开始，都将是我们余下生命之中的第一天，除非我们即将死去。
--《美国美人》
中产阶级的莱斯特.伯哈姆已经活不到一年了，虽然现在还看不出什么迹象。
他就着在那个繁华的美国，一个温暖而安静的市郊，他有一个美丽的妻子卡罗琳和一个未成年的女儿珍妮。该有的都有了，可他的家庭并不象外人看到的那么幸福。他的工作没有成就，他厌倦了他所做的一切，终于有一天，当莱斯特遇上了刚做完中学篮球赛拉拉队的珍妮和安吉拉时，他立刻被安吉拉的美丽深深地打动，心中的那种久已死去的感觉好象又重新的复燃了，他的生活也慢慢开始发生了变化，中年的他落入了一个未成年少女的爱情幻想中，事态逐渐地向着十分有趣却无法预料的方向发展......
也许并不是每个人的生活都可以因为这样或那样的幻想而变得有意义，但起码它让我们珍惜生命中的另外一种意义
爱一个人需要理由吗？可能不，爱一个人需要付出吗？是的！而且是无怨无悔的！――《天使之城》
塞思是洛杉矶上空的一位天使，他终日奔走于生死之间，目睹着人间的悲欢离合。这天，他来到一家医院，可惜他来晚了一步，接受心脏外科手术的病人已死在了手术台上。主刀大夫玛吉?瑞丝认为这是她的责任，她失去了自信，精神也一下垮了。塞思决定留下来帮助玛吉战胜精神上的危机。而在这个过程中，他爱上了美丽的玛吉。为了能真实地接触到玛吉，他冒险使自己显了形。
天使的爱也许更带着几分人世间所未有的纯净，而塞思却发现自己无法真正进入凡人的世界。面对着无法割舍的对玛吉的爱，为了能与玛吉一起分享生活的快乐，他毅然决定放弃天使身份，堕落于人间，从此做一个凡人。这对于他来说也许要付出相当大代价的愿望，但是在愿望与付出之间并不是每个人都能得到幸福。对于天使的爱情，在网上还流传着这样一种说法：每个女孩都曾是无泪的天使，当遇到自己喜欢的男孩时，便会流泪――于是变为凡人。所以男孩一定不要辜负女孩，因为女孩为你放弃了整个天堂！
㈣ 国际上比较重要的电影奖项有哪些
1戛纳电影节,金棕榈 比较提倡艺术和现实
戛纳电影节旨在展示和提高那些在电影作为一种艺术的进程中扮演重要角色的电影作品的质量。如今已经成为世界最有声望的天才电
影集合地。强大的媒体宣传确保入选作品可立即向世界观众推介。电影节还可使创作者与众多买主接触，展示自己的影片。电影节的
内容由电影节理事会在外国影片、法国影片和短片三个委员会的帮助下确定。电影节成立一个由10位艺术家组成的评委会，按照某种
规则为影片评奖。
每年电影节都要精选出大约50部故事片和20多部短片，分为参赛影片、非参赛影片、短片、“某种关注”四类进行展映。从1978年开
始，设立“金摄影机奖”奖励那些在电影节任何一类影片中展映的最佳处女作品。1998年又新增了“电影基金奖”和“职业：制片人
”奖。参赛故事片竞争下列奖项：金棕榈奖、评委会大奖、最佳女演员奖、最佳男演员奖、最佳导演奖、最佳编剧奖。评委会还有可
能对影片颁发“评委会特别奖”。非参赛影片通常是那些以前在戛纳获过许多奖的导演的作品，还包括那些要求作特别安排比如作午
夜放映的影片。“某种关注”类属于正式选出的非竞赛单元影片。在这个单元展映的处女作影片可以竞争“金摄影机奖”。短片（15
分钟以内）作品竞争金棕榈短片奖。电影节规则允许评委会奖励两部短片作品。
戛纳电影节1998年开始推出“电影基石奖”，旨在发现和鼓励全世界范围的青年电影制作者。“电影基石”单元将推出大约20部学生
电影作品（短片、中等长度的虚构作品或动画片），由一个单独的由5位国际知名的艺术家组成的评委会来评判，最后奖励4部最佳影
片。第一次“电影基石奖”的获得者将被保送其第一部故事片参加戛纳电影节。戛纳电影节1998年还推出“职业：制片人”单元以表
达对制片人的敬意。11位对电影艺术给予极大支持的制片人被从美国、英国、法国、意大利、西班牙、加拿大和中国香港选出。这些
制片人扶助提高的30部电影将在“职业：制片人”单元展映，奉献这些影片的艺术家、导演、演员将一并出席。于1978年设立的“金
摄影机奖”奖励那些参加戛纳电影节任何种类（参赛影片、“某种关注”单元、“导演双周”影展、“影评周”、“法国电影”展等
）展映的处女作影片。这些影片由一个特别的“金摄影机”评委会选出。
2柏林电影节,金熊 促进世界电影的交流并展示文化多元化
国际性电影节，世界十大电影节前三甲，柏林电影节号称世界上最有影响的电影节。
奖项是最佳影片为金熊奖、导演魏金熊奖，演员获银熊奖，后又因鼓励欧洲电影设立“兰天使奖”，我国电影获得柏林奖为----“红
高粱”----金熊奖。
“我的父亲母亲”-----银熊-----“章子怡”。
国际性电影节是各国均可参加不分地区和语言。
3威尼斯电影节,金狮 是欧洲与亚洲电影交流的一个平台,也是传统欧洲电影的根据地
世界上第一个国际电影节。号称“国际电影节之父”。1932年8月6日在意大利的名城威尼斯创办。主要目的在于提高电影艺术水平。
1934年举办第2届后每年8月底至9月初举行一次，为期两周。1943～1945年因第二次世界大战一度停办。大战结束后于1946年恢复举
行。1932年至1942年，奖项分为最佳故事片、纪录片、短片、意大利影片、外国影片，以及最佳导演、编剧、男女演员、摄影、音乐
等奖。此外，还有特别奖、综合奖、“墨索里尼杯”、“双年节杯”等。1946年至1948年，取消了“墨索里尼杯”。1949年增设“圣
马克金狮奖”、“圣马克银狮奖”、“圣马克铜狮奖”等。
威尼斯国际电影节设在意大利水城威尼斯，是世界上最早的国际电影节，它始办于1932年，被誉为"国际电影节之父"，参加该电
影节第一届活动的只有几个国家，二十几部影片参赛。意大利政府拨款资助，还专门为电影节建造了电影宫，所以规模逐渐扩大。第
二次世界大战开始，意大利政府走上法西斯道路，使其评奖活动附上法西斯色彩，让德国和意大利的影片频频得奖，引起英、美、法
等国家电影界的强烈不满。反法西斯国家的电影工作者纷纷拒绝参赛。电影节不得不停办。直到1946年才恢复。威尼斯国际电影节和
其它大型国际电影节一样，都有自己的宗旨：奖励世界各地有价值的、有创造性的、并且适合进行国际发行放映的优秀影片，促进世
界各地电影工作者之间的交往和合作，并为发展电影贸易提供方便。同时根据形势的不同，每届还提出不同的口号。
电影节的大致内容如下：第一，评奖活动。威尼斯电影节设立的奖项很多，有"圣马克金狮奖"、"圣马克银狮奖"、"圣马克铜狮
奖"、意大利电影评论家奖、国际电影评论家奖、国际天主教组织奖、国际电影新闻协会奖、记录片奖，等等。评奖之前要组成有权
威性的评审委员会，我国导演谢晋、陈凯歌都当过评委。中国电影自八十年代以来频频在威尼斯得奖。
4欧洲电影奖 扶持欧洲电影
1988年在瑞典电影大师伯格曼倡议下设立的欧洲电影奖。欧洲电影奖的宗旨是永久树立欧洲各国都遵循的电影的艺术精神。当时柏林
是电影奖的永久举办地。进入90年代后期，欧洲电影奖打破了地域限制，把十年庆典移师伦敦。2000年欧洲电影奖在法国的巴黎举行
。
5凯撒奖(法) 扶持法国电影
法国国内电影的最高评奖，有“法国奥斯卡”之称，由法国电影艺术与技术学会和法国电视二台合作举办。并组织评选投票产生。它
以法国着名雕塑家巴勒达西尼·凯撒命名（因凯撒奖奖座由他设计）。始于1976年，每年一届。首届设13个单项奖，即最佳法国片、
导演、编剧、男女主角等。1982年开始增设最佳处女作奖。1984年又增设最佳男女青年演员希望奖
6英国电影学院奖 英国的奥斯卡
英国电影学院创建于1947年，原主要表彰对象是英国电影及由英国籍演员演出的外国影片，相当于英国的奥斯卡奖，但近年来提名较
开放，只要在英国正式上映的影片都可获提名，奖项改为面向世界各国的影片进行评奖，使之产生了更大的影响。现在的奖项设置已
与奥斯卡奖类似。1959年与电影制片人和导演公会合并，改名为电影和电视学会，1975年又改名为英国电影与电视艺术学院。1947年
开始评奖，每年一次，2月25日开奖。首届设最佳影片、最佳英国片、最佳纪录片奖。第2届增设最佳专题片奖。第3届增设联合国奖
。第6届增设最佳英国女演员、最佳英国男演员、最佳外国女演员、最佳外国男演员、最有前途的新人5项奖。以后几乎每几届就有新
的奖项产生。
7青龙奖(韩)
8东京电影节,金麒麟 展示亚洲电影的最大舞台
（上面的两个没有找到相关的详细说明）
9奥斯卡(美国电影工会奖) 世界电影最高奖(也有很多人说是戛纳) 金像奖
奥斯卡金像奖是美国电影艺术与科学学院奖的别称。
奥斯卡金像由学院早期成员之一的赛德里克·吉本斯设计。他在一次宴会上，在桌布上描绘出了金像的草图，并最终由洛杉矶着名艺
术家乔治·斯坦利雕刻而成。第一尊金像于1929年5月16日颁发。每尊金像均为合金铸成，再镀以24K纯金。金像高13．5英寸（约34
．3厘米），重8．5磅（约3．8公斤），造型为一名手拄长剑的武士站在电影胶片盘上。
奥斯卡奖这个别称从何而来已无法考证，最普遍的说法是学院图书馆馆员、后任学院执行主管的玛格丽特·哈里克1931年时曾说这尊
金像很像她的奥斯卡叔叔，于是记者和学院的成员们开始以这个名字称呼它。但美国电影艺术与科学学院一直到1939年才开始正式使
用这个名字。
10圣丹斯电影节 圣丹斯电影节是专为没有名气的电影人和影片设立的电影节。
“圣丹斯电影节”由罗伯特·雷德福一手创办，经过这些年的积累，这个美国本土的小电影节已成为独立制片业的重要精神支柱
，许多好莱坞的新锐导演都视其为执导主流商业大片的跳板。而好莱坞大制片公司要找新秀，“圣丹斯电影节”又是不容错过的人力
资源库。
一年一度的圣丹斯电影节在美国犹他州的帕克城举行，为期11天。
未在国际上得过奖是参加圣丹斯电影节的必备条件。然而，这些参加者一旦在电影节获奖，他们就有可能一下子从影坛上的无名
之辈变成当红明星，例如，当《麦克穆伦兄弟》获得1995年圣丹斯电影节最佳故事片奖时，人们对该片的导演兼主演爱德华-伯恩斯
还一无所知。如今，伯恩斯已成为斯皮尔伯格的《拯救大兵瑞恩》中的主演之一。再如，1996年以《欢迎来到玩偶屋》一片获得圣丹
斯电影节评委奖的托德-索伦兹，今年5月在戛纳电影节上以《幸福》一片获得了竞赛外最佳故事片奖。而去年在圣丹斯电影节上露脸
的《厄夜丛林》，更是在票房上创下奇迹。
圣丹斯电影节至今已举办20届。
美国独立电影界盛事“2001圣丹斯电影节”的得奖名单于1月28日正式公布，我国着名导演张艺谋于1999年执导的《我的父亲母
亲》经观众投票夺得本届“世界电影”组别的观众投票大奖。
㈤ 请问某德国总理刺激好莱坞影视发展的政策
第三节 新德国电影的初期
60年代初期，德国电影所出现的危机主要表现为：政府对电影停止实行经济保险。导致了大公司的倒闭或合并(如：新电影艺术公司、联盟电影公司和乌发—汉萨电影公司)；影片质量下降，但对娱乐片所缴纳的税却不降低；以及电视的发展和竞争等。在1961年中，“德国电影奖”评委会竟然找不到一部值得授予“最佳影片”和“最佳导演奖”的人人选。德国电影在经济与艺术上处于了最低点，酗年代中期，德国年产量仅为60部影片，观众人次也降为1亿人左右。
一、“奥伯豪森宣言”
1962年，来自慕尼黑的短片新导演们，带着一纸宣言来到了国际短片电影节所在地奥伯豪森，他们参加第八届国际电影节，宣称要“创立德国新电影”。他们对60年代的美国电影和德国商业片表示不满。由26个大都从拍摄短片开始走上影坛的电影导演、摄影师和制片人们提出了这项宣言，其主要内容是“因循守旧的德国电影的崩溃终于使我们所摈弃的思想立场丧失了经济基础”；“正如在其它国家那样，在德国短片也已成为故事片的学校和试验场所”；“德国电影的未来在于运用国际性的语言”；“我们现在
要制作一种新的德国故事片，这种影片需要自由。我们必须打破常规，克服电影的商业性。我们要违背一些观众的爱好，创造从形式到思想都是新的电影。我们准备在经济上冒一些危险”；“旧的电影已经死亡，我们相信新的电影”。大致这样一些内容的宣言，标志着西德电影的转折点。此后，他们筹建“德国青年电影基金会”，计划以500万马克资助10部故事片的创作。然而，这项建议未受到认真地对待。经过长时间的筹集资金，1965年“德国青年电影董事会”正式成立，并在以后的3年中资助了20部影片的创作，其中最多的一部投资达30万马克。德国青年电影创作者拍摄出了在国际上产生影响的、
至今仍有意义的作品。这些影片从1966年起，开始进入了商业发行网。
二、德国青年电影
这是新德国电影发展的初期阶段，德国青年电影的先驱者之一是让—玛丽。斯特劳布。他于1933年出生在法国尼斯，1958年来到德国，并在流亡德国期间拍摄了实验影片。他的全部作品都是与妻子达尼埃尔，西耶共同摄制的。她做过丈夫影片的编剧、制片、导演、剪辑等工作。斯特劳布的影片追求的是一种布莱希特式的启蒙戏剧风格，他坚持台词、原着、思想真实可情，要求演员“少做动作，多念台词”。他的作品往往严肃、庄重而又细腻。斯特劳布的代表作品是《没有和解》(1965年)，是根据海因利希·伯尔的小说《九点半钟的台球》改编而成的。影片通过三代人的生活将希特勒时代的德国与联邦德国在战后现实做了对比，演员口中是极具有文学化台词，影片演员的说话方式、
场面调度和画面构成旨在让人们体验现实，而不是面对现实。这种风格，体现了导演试图按照布莱希特的戏剧理论所要达到某种间离效果的追求，同时它还使人们想起电影史上着名的德国表现主义流派。许多的影评家都注意到这是一部“用历史的闪回镜头直接回顾了纳粹时代”的影片，“是一部有政治现实意义、风格新颖的先锋派影片”。
亚力山大。克鲁格也是先驱人物之一。他出生于1932年，曾做过法学家、律师、作家等，他导演了代表作品《向昨天告别》(1966年)。影片表现了一个从民主德国来到联邦德国的妨娘阿尼塔·G的艰难生活，她处处受到人的打击，被人践踏利用。影片剧情大幅度跳跃，采用了不少纪录手法和漫画式的表演。“影片之所以产生好的效果，不仅由于影片的叙事手法，还由于影片对主要人物命运的同情，对社会的批判，发人深思的讽刺和它特定的内容”。这部展现‘‘冷漠、落后、家长式作风，当权者的变态心理”的影片曾获得了威尼斯电影节的银狮奖。
还有一些有影响力的人物和作品：福尔科·施隆多夫于1966年拍摄了《青年特尔勒斯》，这部“对早期法西斯精神的探讨”的影片获得了戛纳电影节“国际批评家奖”；威尔格。赫尔措格于1967年拍摄的《生活的标志》影片描述的是士兵施特罗斯特策克在一个无所事事的小岛上如何因荒诞处境变疯的故事，赫尔措格希望表现“希腊风光中阴森可怕而在理智上又无法理解的力量”，这部影片已经可以看出该导演后来的一贯的风格和追求；约翰内斯，沙夫的影片《纹身》讲述了一个16岁的小伙子如何枪杀了自己的养父，“简单的最后行动代表了青年人对传统社会的空谈和自满的抗议”。这部影片与法国新浪潮电影颇有共同之处，“它体现了新德国电影与新浪潮电影相结合的特征：导演们想要表达的是他们亲自目睹和经历过的事情”。以后还有：彼得·沙莫尼获得柏林电影节银熊奖的《狐狸禁猎期》；乌尔里西·沙莫尼拍摄的点画派风格的影片《它》和《年复一年》；哈罗·曾夫特拍摄的《慢跑》；克里斯蒂安·里舍尔特拍摄的《倒立吧，夫人》；汉斯—于尔斯，波兰德拍摄的《猫和鼠》；爱德加·赖茨拍摄《进餐》等等。
第四节 新德国电影的四大导演
70年代中期，新德国电影进入创作高潮，这一时期代表人物是威尔格·赫尔措格、福尔科·施隆多夫、赖纳·威尔纳·法斯宾德和威姆·文德斯。
威尔格·慧尔指格(又名：W．H·斯蒂佩蒂奇)
如果说艺术家是一个“离群索居者”的话，新德国电影中最能体现这一特点的人物是赫尔措格，正像他影片中那些“孤家寡人”的主人公一样，他自己就是这样一位孤独的艺术家。赫尔措格说：
“就因为我是独自一人，而且还将独自工作下去，所以很难将我的影片归人这里的某个流派”。
1967年，他在希腊拍摄了《生活的标志》一部短片之后，又在萨哈拉拍摄了《法塔·莫尔加纳》(1968年)；拍摄了《诛儒也是从小长大》(1968年)；1973年，他到了秘鲁和巴西，拍摄了《阿吉尔——上帝的愤怒》，影片采用传说中纪实手法，描写了1590年到黄金国探险的僧侣阿吉尔的故事。表达了某种社会秩序的瓦解和狂想在现实面前的失败。这是一部“妄想和放纵的叙事诗”。1976年，他执导的影片《人人为自己，上帝反大家》记叙了上个世纪一个遭受社会偏见的弃儿卡斯伯·豪译尔的故事，他心理愚钝和反常。这部半记录、半自传体的影片揭露了特权和教会制度为基础的社会的虚伪和利己
主义。8毫米胶片拍摄的主人公梦境很有特色，成为赫尔措格“最有力量和风格最统一的影片”，荣获了戛纳国际电影节奖。1978年，他还曾重拍了茂瑙的《夜间幽灵诺斯费拉杜》。1982年，赫尔措格导演了《陆上行舟》，主人公梦想在亚马逊河上游的森林里建起一座歌剧院，让伟大的卡鲁素来唱歌，他开始了旅行并在士着人帮助下把行舟搬过山岭。影片在瑰丽壮观的大自然景色中和古朴纯真的民风中激荡着艺术家更加执迷、颠狂的心理状态。赫尔措格说到：“我的影片是由于某种强烈的迷恋产生的……”，这部影片获得戛纳国际电影节最佳导演奖。
孤独和疯狂、异域疆土的自然风光成为赫尔措格影片的一贯的主题。在赫尔措格的影片中，他热衷于刻画那种边缘与孤独的人物，探讨人物“疯狂的迷恋”的心智，在这一点上他与法国“左岸派”电影有近似之处。他的影片极富浪漫色彩，有强烈的造型意识和动人的古典音乐。他的电影剧作略欠一筹，一如《陆上行舟》河流中走船，放而不收，削弱了戏剧张力，令观众感到沉闷、拖杏，有时晦涩、难懂。
福尔曼．施隆多夫，
早年在巴黎攻读政治学，然后进入巴黎高等电影学院学习电影制作。他曾做过马勒、雷乃和梅尔维尔的副导演，也是从短片开始创作生涯的。1966年，他的处女作《青年特尔勒斯》‘‘预示了新德国电影的觉醒”，影片编剧是他后来的妻子和主要合伙人特洛塔。
1967年《剧烈的争吵》的成功，使他同美国哥伦比亚公司签订了6年的合同，开始转向拍摄历史题材的影片。1971年的《科姆巴赫穷人的暴发》起源于民间传说，叙述了民工拦路抢劫一辆钱车的故事，表达了下层人民的感情，批判了社会，“对具有新特征的乡土电影的发展是个贡献”。1972年后，他从历史转向当代，拍摄对德国社会现状进行精辟分析的系列影片，并从1960年“作者电影”较窄的观念转到较大的观众层面。
1975年《丧失名誉的卡塔琳娜·布鲁姆》描写一个收容无政府主义者的年轻妇女最终成了舆论界的牺牲品。1976年他拍摄了根据尤斯奈尔原着改编的《死刑》。在1978年《秋天的德国》中，他“技艺更加精湛”。1978年《锡鼓》影片通过一个不愿意长大的孩子的故事对德国历史及现实进行了强有力的批判。这部史诗般的巨幅画卷于1979年同《现代启示录》并列戛纳国际电影节金棕阂大奖，1980年又赢得美国奥斯卡最佳外国影片奖。
他的80年代仍然是丰厚的；《伪造》(1981年)、《斯万的爱情》(1983年)、《一个保姆的故事》(1989年)等等。施隆多夫擅长导演艺术片，是一个“在所有导演中最具现代电影语言表现手段的人”，也是一个注意市场和同观众交流的人。施隆多夫注重电影剧作，有浓厚的文学功底。他的代表作品《锡鼓》等，对处于社会重压下的人物变态心理的描写以及他对文学作品的倚重使他同法国“左岸派”电影人士及作品十分接近。然而，他对电影基本技法的注重、对观众的顾及、与电影明星的多次合作，又使他同这些导演以及新德国电影的其他人明显不同。目前，他主要在美国拍片，而这些“超级制作削弱了他的艺术才华”。
赖纳·威尔斯·法斯宾德
新德国电影多产的天才法斯宾德是多面手，他曾做过记者、戏剧编剧、戏剧导演。
70年代他建立了自己的公司，并从舞台转向电影，在银幕上塑造了一系列的栖棚如生的人物形象。1969年一1976年，他总共导演了29部长故事片和一部5集电影系列片。
1969年，在柏林电影节轰动的《爱比死更冷酷》“表现了毫无用处的可怜人”，影片中的移动摄影不同反响，那是他的第一部作品。1970年《谨防神圣的妓女》把戏剧排演的喜怒哀乐搬上银幕。
1971年，法斯宾德在《四季商人》里讲述了一个无法满足母亲要求的菜商在饮酒后死亡的故事。影片仅用了l1个拍摄工作日，充满风格化与舞台艺术痕迹，法斯宾德的创作风格达到高峰，在他的影片中第一次出现了关于同性恋的主题。1972年，法斯宾德仅用了10天拍摄完成了《佩特拉·冯·康德的辛酸泪》。1973年，他导演《恶梦吞噬灵魂》片中60岁的老妇嫁给了一个年轻的摩洛哥外籍工人，当她能够战胜社会的种族偏见时，却无法克服他们面对的种族差异。1975年的影片《自由的强权》又一次显示了法斯宾德偏爱的主题，一个同性恋青年被人利用后又被抛弃，惨死街头。1977年导演的《中国轮盘赌》、1978年推出反法西斯题材的《玛丽亚·布朗恩的婚姻》、1978年与施隆多夫联合导演的《秋天的德国》、1980年，另一部反法西斯主题的影片《莉莉·马莲》问世。1981年4月法斯宾德在“世界报”采访他时说：“如生命允许，我希望拍摄12部反映德国各个不同时期的影片；第一个描写第三帝国的主题是《莉莉，马莲》。但不是最后一个……，我在寻找自己在祖国历史中的位置，我为什么是个德国人?”法斯宾德的声明体现了新德国电影艺术家的觉醒和责任。1982年，他在导演了《薇洛尼卡·弗斯的欲望》和高度风格化的影片《水手克莱尔》后离世，年仅36岁。
法斯宾德绝大部分影片的电影语言无大新意，采用的是他崇拜的美国“好莱坞”电影模式，是一种传统情节剧。其中最大特点是他对艺术的真诚和对社会的直言批判，他敢于把德意志沉重的罪孽意识摆上银幕，他也撕下自己的外衣，把种种非常态欲望和阴暗心理逐一解剖。法斯宾德的美学追求和创作倾向与法国新浪潮时期的“电影手派册”十分接近，他的影片中那种“乌托邦思想”和“悲观绝望’’也同手册派一样消极。他的影片有时出现‘‘简单化”的倾向，他的社会分析有时也难免“主观，浮浅”。
然而，在新德国电影艺术家中，他的真诚是最令人难以忘怀的。
威姆，文德斯
这位曾攻读医气和哲学的大学生在投考巴黎高等电影学院时失败，他在巴黎电影资料馆通过观摩大量影片自学成才。
1971年文德斯导演的第一部长片《城市里的夏天》，这是“一个犯罪故事的历史”,影片中的囚犯因惧怕往昔而逃跑。他还拍摄了非情节化、不求表意的《守门员罚球时的焦虑》；这一风格同样反映在1974年的作品、爱丽丝漫游城市》中。1976年执导《时间的进程》，1977年美国演员德尼·霍普在他气氛神奇的影片《美国朋友》中担任主演。
1980年，他把美国导演尼古拉·雷依的传记故事搬上银幕，影片记叙了在无尽的公路旅行中电影机械师与他的朋友卡米茨的友谊与烦恼，这是一部典型欧式风格的公路片。1984年，摘职戛纳电影节的金棕阎的另一部欧式风格的公路片《德克萨斯州的巴黎》标志着文德斯“美国化倾向的高峰”，他表现了人的孤独、人与人之间的隔漠。1985年他拍摄了一部关于他的偶像导演小津安二郎的纪录片《东京之行》。1987年，《柏林上空》这部充满超现实主义气氛的作品问世。迁移、旅行是文德斯影片的惯常主题，他的电影语言修词中基本排除蒙太奇，形成对运动和场景不加剪辑的“坦率、冷静”的风格。
新德国电影运动的衰落：
同新浪潮电影—样，新一代的德国电影人反对电影商业化，主张“作者电影”和“艺术电影”，新德国电影在美学追求和制作方式上有很多与新浪潮相似之处，几百名导演从60年代中期到70年代中期拍摄了近干部影片，形成持续不断的创作高潮和声势浩大、历时长久的电影运动。美国新好莱坞电影运动导演科波拉对旺盛时期德国电影作过安如下的评价：“过去的10年属于新德国电影，西德是现在唯一有所作为的电影国家”。
然而，70年代中、后期，经济危机已经表明德国电影有衰落，电影市场出现了萧条，德国影片在国内的放映收入几乎无法抵偿制版成本。据统计：其收入仅占全部影片收入的10％，1977年占4％。新电影对资助团体的依赖，使电影艺术受制于这些团体和电视台编辑部，同时也受制于主管这些部门的政治态度。“德国青年电影董事会”由于提供资金过少丧失了影响，已于1976年解散。
1977年，法斯宾德还曾发表了将来只在国外拍片的声明轰动一时，引起人们议论纷纷。一些评论家认为“虽然电影导演们对运转不灵的团体和对缺乏评论界的支持表示不满是可以理解的，但是否在别的欧洲国家或欧洲以外的国家拍摄电影的条件就比联邦德国优越却是使人怀疑的”。法斯宾德于80年代初业已故世，其他三大导演已到国外拍片。
新德国电影运动的主将在国外创作上的滑坡现象，证明了评论家的担忧。90年代的德国电影市场完全被好莱坞占领，有着先锋运动表现主义、德国室内剧、批判现实主义传统的民族电影也已日渐消亡。
㈥ 请问有哪些外国的电影大师是崇尚艺术，追求艺术的电影
希区柯克，黑泽明，卓别林。
㈦ 有哪些关于艺术的电影
我觉得最近最火的关于艺术的电影就是挚爱梵高吧，里面把梵高的画和他的影片风格都结合在了一起，非常的有画面感，然后也能深切的了解梵高的生活。
㈧ 求一部介绍西方艺术家的电影 。。。
《卡拉瓦乔》画面像油画一样。
《戴珍珠耳环的少女》是写名画背后的故事。
《午夜巴黎》有设计许多艺术家，但不具体
《最后一站》这个超范畴了。。写的是列夫托尔斯泰。。
㈨ 求艺术气息的电影的外国电影
《海上钢琴师》
男主角1900的整个人生都已经是一场悲剧了。他是一个被人遗弃在蒸汽船上的孤儿，被船上一位好心的烧炉工收养，然而烧炉工在男主角8岁的时候在意外中死亡。过人的天赋使他无师自通成了一名钢琴大师，但宿命也令他天然地对红尘俗世深怀戒意。纵使后来遇上了一位一见钟情的少女，他思量再三后，还是放弃了上岸寻找初恋情人的冲动。他永远地留在船上了，即使到了最后，唯一的好朋友马克斯警告他废船将要被炸毁，他也不愿离开，于是从出生开始就没有离开过维吉尼亚号的1900直至与船葬于海底。