㈠ 请问历来中外喜剧电影的代表作和代表人物都有哪些
卓别林，金凯瑞，憨豆先生，周星驰，成龙。
外国的喜剧电影（轻喜剧不算）主要通过夸张的个人表演来逗人笑，并不注重故事情节，金凯瑞把喜剧电影变得有了故事情节，而且外国的喜剧就是单纯的喜剧，所有的配角和道具背景都为喜剧的主角的和喜剧效果服务。
中国的喜剧代表主要就是香港的周和成了。周星驰的表演有些接近欧美的喜剧的表演而又很注重故事情节的发展，还是有一定程度是以故事发展做主线的，正是这样才会使中国人能喜欢观看。
成龙的喜剧电影是个另类，不同与传统的喜剧，主要是让人们在他的动作中得到欢笑而非语言，但和周星驰一样，也是围绕故事情节展开的。
没什么准备，看到你这帖子就答了，很草率，各位见笑了
㈡ 寻一部国外的有关遗产的喜剧电影
遗产奇案
一个富有的老头死了，他的几个亲戚高兴地接到这个消息而聚到一起，从律师播放的录像里听听老头会给他们留多少遗产。结果老头在录像当中把他们极尽嘲讽了一番之后告诉他们自己所有的钱都会留给一个从未谋面的、从未向自己借过钱远房的亲戚，他们这帮人别想得他一个子儿。大失所望的几个人顿时倾巢出动，八仙过海各出奇招，只为了把那幸运的家伙干掉。
㈢ 喜剧电影与美国文化
呵呵，你也选了好莱坞影视文化与赏析吧……
㈣ 从好莱坞电影的发展演变史分析其是否具有内在创新机制
自1895年电影诞生之日起，作为“第七艺术”的电影已经走过了百年征程。在这期间，无论是德国表现主义的夸张变型，还是法国新浪潮的先锋诗意，无论是意大利新现实主义的真实质朴，还是前苏联蒙太奇学派的理性激进，都给全世界的电影观众带来了各式各样的美学观感和精神体验，而作为世界电影之林中最重要也是最有影响力的美国好莱坞电影，更是以标榜艺术与技术的完美结合而着称。一直以来，电影工业作为美国的支柱型产业，以其强大的生产体制为基础，以绝对多数的市场份额作保障，以统一而鲜明的价值观做宣传媒介，在一定意义上决定着世界电影的进步轨迹和发展方向。
一、电影科技的创新
好莱坞电影的发展与现代科学观念的发展密切相关。从初创时期开始，好莱坞电影便确立了技术主义的传统，每一次的技术上的风暴和革新，都会给不同时期的电影带来质的飞跃。第一部有声影片《爵士歌王》的诞生，使电影真正成为能将声音和画面结合起来的新的艺术形式，而第一部彩色电影《浮华世界》问世，更使电影跨过了从黑白到彩色的界限和鸿沟，不仅是视觉上的进步，也是美学上的突破。
随着时代的发展和科技的进步，最新最先进的科技也总是在第一时间反映在好莱坞电影之中。在好莱坞电影的初创奠基期，爱迪生关于电影设备的一系列发明为好莱坞电影的发展奠定了技术创新的基础，他发明的“电影视镜”第一次使“看电影”成为可能。在他之后，法国的卢米埃尔兄弟发明的“活动电影机”使“拍电影”和“放电影”由梦想变为现实。在好莱坞电影全盛发展的1928年7月，纽约首映了华纳公司拍摄的世界首部有声对白故事片《纽约之光》；1935年的6月，雷电华公司公映了世界第一部彩色故事片《浮华世界》；在随后的1953年，20世纪福克斯公司摄制了第一部宽银幕系统故事片《圣袍春秋》。这些为了扩大人类视听范围所采用的科技手段，大大延伸了人类的知觉领域。在经历了整个五六十年代与电视抗衡的萧条之后，电影终于从电视的阴影中摆脱出来，真正找到了适合自身美学特征的发展道路，这正是科技进步的结果。从此，制片厂不再从放映设备和生产电视片方面寻求突破，而是利用视听语言的革命作为更新颖的传播手段来与小荧屏进行对抗。从此，视听革命使得电影的表现范畴被拓展，当然，大投资带来大回报的利润激增也使好莱坞这一巨型工业焕发出了前所未有的动力。70年代末80年代初，一系列好莱坞大片纷至沓来，“票房炸弹”式的“大片时代”来临，《星球大战》《侏罗纪公园》等影片凭借栩栩如生的角色还原、惟妙惟肖的造型设计、形象生动的模拟声效等开启了科技进步的又一先例。进入到当代，以《阿凡达》为代表的3D技术被突破性地运用到电影的表现范畴，CG动作捕捉技术、协同工作系统以及虚拟摄像机的使用使人类的视听体验进入到了更为高层次的享受阶段。《阿凡达》的成功再次验证了技术与细节对现代电影的决定性影响。在当代，世界范围内3D IMAX、巨幕、环幕甚至4D影院的出现，适时地满足了观众的欣赏需求，为观众带来声画结合的震撼体验。展望未来，电影技术的创新将会更多更有力地运用到好莱坞电影之中。
二、电影类型的创新
类型电影的形成和辉煌始于三四十年代经典好莱坞时期，包括如西部片、强盗片、喜剧片、歌舞片等。这一时期，制片厂已经转向类型化生产。在“标准化”成为好莱坞普遍追求的制作模式的时候，电影的制作和生产就更像是一种生意上的追逐而非美学上的突破了。从叙事构思到发行放映，都是和观众密切协调的结果，而非受导演个人的价值取向的影响。这虽然在一定程度上制约了一些导演个人创作的广度和深度，但同时却能保证影片在商业上达到相对稳妥的“成功”，这对于当时好莱坞刚刚形成的产业体系来说是至关重要的。在好莱坞，创造性电影制作是一种既能满足制作者的美学要求，又能诉诸观众期待的表达方式，从而成功地反复实践和确立已经规范化的“常规”，即托马斯·沙兹所说的“类型产品和洗练的原则”。
从上述意义上来讲，类型电影的创新就在于由本类型所延伸出来的类型，可称作亚类型或类型的杂糅。如科幻电影脱胎于恐怖片，而灾难片又脱胎于科幻片。与此同时，这些亚类型又可以在初始类型衰落的年代另辟蹊径，在原有的类型基础上创造和开拓出新的表现空间。如科幻电影在20世纪八九十年代迎来第一次高峰，随着科技的进步，又在21世纪初期大放异彩，至今仍是青少年观众青睐的对象。进入新好莱坞时期，随着观众需求的不断增加，类型与类型之间的界限越来越模糊，界定方法也愈发复杂，甚至渐渐产生超类型电影。今天，似乎很难在银幕上看到纯类型的电影，可以说，正是好莱坞电影自身的创新机制使其相互融合产生出新的样式来。
三、电影美学的创新
早在电影诞生初期，美国电影就确立了几种叙事传统和叙事类型：《火车大劫案》创造性地发展和丰富了电影叙事的流畅性和连贯性；格里菲斯的《一个国家的诞生》和《党同伐异》将电影的时空表现和叙事语言继续复杂和深化；以卓别林为代表的美国默片喜剧则成功地将“喜剧”与“戏剧”元素融入电影媒介当中，用电影的时空手段和结构观念来进行叙事和表意，成功地开创了一种新的类型，为后来的喜剧片打下了基础。到了经典好莱坞时期，一大批优秀的故事片更是发展并强化了这一叙事传统，并根据叙事内容和风格的不同，逐渐形成了各具特色的类型片种，开创了新的美学形式。从叙事策略上来看，正如麦茨所讲：“一部影片是很难解释的，因为它很容易理解。”我们之所以能“看得懂”好莱坞电影，是由于我们已经相当习惯好莱坞那套电影语言和叙事策略。所谓“经典好莱坞写实主义”，基础就是它能通过中心人物的感知来渗透叙事信息，从而把技巧隐藏起来的能力，这就适应了观众的“窥视”心理，也模糊了“故事”和“事实”之间的界限。 60年代末70年代初，出现了美国先锋派电影美学及地下电影，这些虽然不能代表美国电影的主流，但却跟好莱坞电影自身的工业发展和美学演变过程息息相关，并直接影响了新好莱坞时期叙事传统的转变。在这一时期，一批不同于经典好莱坞叙事体系和表现风格的影片崭露头角，如《邦妮与克莱德》《逍遥的骑士》《毕业生》《愤怒的公牛》等。与法国的新浪潮类似，一批更强调“作者”身份的“学院派”青年导演开始走上创作道路，其作品的先锋感和创新性开创了另一种视听语言的表现系统，在当时令人耳目一新。电影本身可以被视为意识形的社会折射，它是一个可以不断地对意识形态进行反映、复制和再生产的装置和镜面，而这一批电影所剖析和表现出来的社会层面的关注话题恰恰是对当时美国社会最真实、最透彻的映射。可以说，在这种意义上的创新不仅具有人文关怀的属性，更被烙上了大众文化的印记。
四、电影工业的创新
美国电影企业从一开始就设计出了一套制片、发行、放映电影的系统，它保证了与公众的经常性接触。这一“集成”的程序提供了利用从制片厂控制的影院不断流出的现钞来生产新的影片的可能，也向制片人提供了衡量公众对故事和倾向的反应的宝贵反馈，同时也保证了和大众进行文化交流的手段。如托马斯·沙兹在《新好莱坞/旧好莱坞》中提到的那样，“好莱坞生产引人注目的更多是以他们的相似而不是差异”。当制片厂发展并完善了制片体系的同时，也同时精炼了每个过程的每个独立环节。而随着后来叙事技巧和故事公式的完善，如何成功营销从而在院线放映时获得最大利润显得尤为重要。只要好莱坞制片厂维持住这一制作、发行和放映电影的封闭系统，企业的神话制造作用的优势就能得到保证。八大电影公司（米高梅电影公司、派拉蒙影业公司、哥伦比亚影业公司、华纳兄弟影业公司、环球电影公司、联美电影公司、20世纪福斯公司、华特迪斯尼）成为经典好莱坞时期迅速崛起的公司的原因也正是在于它们垂直垄断的前瞻性和彻底性。
自1913年，好莱坞建立了制片厂制度开始，八大制片厂就基本上控制了整个好莱坞影片的制作、放映和发行。与此同时，明星制度也是制片厂制度不可或缺的一部分。当时的所谓“明星”，指的是固定出演同一类型角色、作为完善同一种叙事功能存在的电影的元素之一。到了50年代，大制片厂制度解体，垄断消失。各种中、小型电影公司得以发展。电影的发行也不再只靠制片厂的体系运作，录像带市场、网路都成为发行挣钱的渠道。电影的放映也不仅在电影院，五六十年代兴起的露天影院、家庭影院、网络电视等使放映渠道更加丰富。大制片厂制度的解体为明星和导演创造更多的自由和选择权，形成了经纪人制度，在新好莱坞工业中，独立制片人和经纪人变得更为重要起来。他们既要维持在老制片厂时期同样的功能：进行必要的资源整合和最大限度的优化，又要在新时期新形势下，抵御更强的风险和担负更大的责任。派拉蒙法案之后，制片厂很多成为发行公司，资助独立影片的生产。于是许多年轻的电影工作者以一次一部片子的方式把自己卖给独立制片人或者大制片公司（如乔治·卢卡斯）。以上种种，其实都是体制内的创新。
五、结 语
作为美国乃至全世界最重要的文化产业，美国好莱坞电影凭借其完整的体系架构和纯熟的操作机制，在全世界范围内不断扩张和演变，成为各个国家和地区发展和革新电影产业的模仿对象。虽然经历了从旧好莱坞到新好莱坞的变化，但由于其系统内在创新机制的及时调整和演变，在经济和文化全球化进程中始终扮演着重要角色。中国电影在受到好莱坞电影冲击的同时，应当从科技、文化和产业策略多方面吸收和借鉴，才能形成和谐共赢的新局面。
㈤ 1.美国喜剧片基本特点 2.好莱坞电影和工业的基本特点(对比下67年前后的差别)3.中国电影史分期的年代和依据
美国喜剧片以接近生活,明白易懂,大众化为特点,这是被很多人所承认的.
从生产方式上来说，好莱坞电影是工业化的制作，流水线式的生产，好莱坞电影是电影商品化的最高成就。从内容和品质上看，好莱坞虽然也不乏大师级人物，但基本上是商业电影。
“影戏”——中国电影的奠基（1896年-1932年）
30年代电影（1932年-1937年）
战时与战后（1937年-1949年）
“十七年”中国电影（1949年-1966年）
“文革”时期的中国电影（1966年-1976年）
“新时期”的中国电影（1976年-1989年）
㈥ 世界上主要的电影国家 喜剧片都有什么特点
各国喜剧片,在长期发展中,形成各自的风格特点。如美国喜剧片以接近生活,明白易懂,大众化为特点;法国喜剧片以机智与惊险相结合为传统(如《虎口脱险》);意大利新现实主义喜剧片以密切结合现实、风格质朴为特点(如《警察与小偷》)
㈦ 欧美喜剧与中国喜剧电影文化的差别
中国的电影就是无厘头夸张的姿体表演很俗很垃圾，外国是幽默高档的享受
㈧ 求美国喜剧电影的发展过程（越详细越好）
2008美国动作喜剧电影《In Bruges 杀手没有假期》
美国喜剧影片《老友有钱》
美国喜剧电影*家有仙妻
[喜剧影片]美国派3处男有喜
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最后安全》(1923年)
哈罗德·洛伊德是典型的精力充沛的美国人，为了让女友相信自己是大城市里事业最成功的人士，他什么都肯做。至于冒着生命危险爬上高高钟楼，吊在即将断裂的时针上，只不过是这部以“蔑视死亡”为目的的经典闹剧中无数令人愉快的瞬间之一。该片也是上榜电影中年代最早的一部。
《淘金记》(1925年)
流浪汉受在“淘金热”的带动决意采矿，最终却落得只能吃皮鞋果腹的天地。这也是卓别林默片时代最疯狂、最具创造性的杰作。
《将军号》(1927年)
“胆小鬼”巴斯特·基顿人生有两大至爱——女友和火车。为了两者得兼，他不得不以身犯险。这部被公认为默片时代最伟大喜剧之一的影片绝不是什么励志爱情片。它透过完美的叙事与精彩的场面调度，反讽了所谓“英雄事迹”。在利用大型交通工具作为喜剧视觉“包袱”方面，影片更取得了前所未有的成就，为未来包括成龙擅长的动作喜剧路线奠定了基础。
《一夜风流》(1934年)
弗兰克·卡普拉－罗伯特·里斯金组合为后世“神经喜剧”这一流派树立了模板:荒唐、莽撞的富家小姐离家出走、老实巴交的闷包男主角不解风情，貌似无厘头然而又明显另有讽刺当下的玄机。看过影片的人倒不一定会被克拉克·盖博和克劳黛特·科尔伯特逗笑，但一定深感亲切，并且喜欢得要命。
《育婴奇谭》(1938年)
一只美洲豹“宝宝”、一块恐龙骨化石，以及凯瑟琳·赫本与加里·格兰特之间激情的化学反应，这些足以让这部“神经喜剧”化腐朽为神奇。这对男女明星搭档在《费城故事》里的表现也许更浪漫些，但在《育婴奇谭》里肯定是最滑稽的。
《鸭羹》(1933年)
《歌声俪影》(1935年)
《我的高德弗里》(1936年)
《春闺风月》(1937年)
《你逃我也逃》(1942年)
在波兰沦陷期间与剧团成员一起同纳粹官兵斗智斗勇“社交女王”这一形象是卡洛尔·隆巴德最后的献礼，也许还是她最杰出的银幕形象。刘别谦执导并亲自出演的这部电影高雅优美、非常人性、雅俗共赏，并且令人捧腹，开创了“高雅喜剧”这一流派。
《女友礼拜五》(1940年)
《脱线大王》(1940年)
《银行妙探》(1940年)
《摩洛哥之路》(1942年)
《摩根河的奇迹》(1944年)
《贼博士》(1955年)
《曼哈顿的大人物》(1958年)
《热情似火》(1959年)
《奇爱博士》(1964年)
库布里克这部黑暗且高深莫测的讽刺电影，讲的是狂热好战分子代表人物康格少校如何引发和末日的故事，彼得·塞勒斯在片中一人分饰三个有机会阻止轰炸行为、改变世界命运的角色——英国空军将领、软弱的美国傀儡总统，以及片名中所指的那名德国科学家。这部电影充分诠释了何为“冷战喜剧”的巅峰之作。
《黑夜怪枪》(1964年)
乌龙探长粉红豹系列是上世纪六七十年代最受大众欢迎的侦探喜剧。作为该系列第一集，本片堪称彼得·塞勒斯的独角戏。
《公寓春光》(1960年)
《制作人》(1968年)
《风流医生俏护士》(1970年)
被搬上电视荧屏一拍就是11季之后，也许人们已经很难想起罗伯特·奥特曼原先的大银幕版本是多么令人吃惊且具颠覆性了。影片庞大的演员阵容堪称豪华，其挑战权威的态度则如清风一般令人愉悦，而跟其他大多数直白的喜剧片相比，这部电影则更趋边缘化。
《安妮·霍尔》(1977年)
从这时起，伍迪·艾伦正式与自己“早期的滑稽路线”告别。他精心打造了一部有关纽约神经质分子之间离奇爱情故事的电影。谁能想象一个有马歇尔·麦克卢汉(媒介传播学者)参演的故事竟能如此好玩？(当然，据说伍迪·艾伦构思那个在影院门口出现纠正喋喋不休的“演讲者”错误的角色时，首选倒不是麦克卢汉，是费里尼不想去美国拍这么一段戏，布努埃尔也不愿意，于是才请了麦克卢汉。)
《傻瓜大闹科学城》(1973年)
《灼热的马鞍》(1974年)
《新科学怪人》(1974年)
《巨蟒和圣杯》(1979年)
《阳光小子》(1975年)
《动物屋》(1978年)
《上错天堂投错胎》(1978年)
《妙亲家与俏冤家》(1979年)
《大笨蛋》(1979年)
《空前绝后满天飞》(1980年)
提问:如果让你把一个爱唱歌的修女、一个狂爱说话的瘦小白种女人、阿布杜·贾巴尔和飞行恐惧症组合在一起，你会得出什么答案？回答:一部由莱斯利·尼尔森主演、如今满大街“馒头”都得叫它一声“爷爷”的电影！
《一条名叫旺达的鱼》(1988年)
英式闹剧小品与美式粗劣笑话结合在一起反而产生了“升华”效果。提到以荒诞和意外为精髓的黑色喜剧，该片绝对是集大成之作。这部盗贼题材经－经－经－经典……喜－喜－喜－喜剧围绕一伙抢劫犯以及一系列钩心斗角与歪打正着展开，片中独特的“意大利语”，你再也没机会在别处听到了！
《疯狂高尔夫》(1980年)
《傻妹从军》(1980年)
《金色年华》(1982年)
《你整我，我整你》(1983年)
《假期历险记》(1983年)
《摇滚万万岁》(1984年)
《土拨鼠日》(1993年)
从荒谬开始发展到温馨结束，比尔·默里饰演了一个尖酸刻薄的气象预报员。
《谋杀绿脚趾》(1998年)
这部电影在混合黑色电影与神经喜剧元素的基础上，加上了一名易怒的越战老兵、几个严重的怀疑论分子侦探，以及一起身份混淆的绑架案，科恩兄弟就这样打造出了一部“老烟枪”版《枭巢喋血战》。
《我为玛丽狂》(1998年)
这部大大超值的“宝石”本质上只是一个简单的爱情故事，一个令人讨厌的家伙(本·斯蒂勒)重遇中学情人(卡梅伦·迪亚斯)后展开追求攻势。在此过程中，他在生理和心理上均吃尽苦头，充分向我们演示了一个人的痛苦和耻辱到底可以变得多么滑稽、好玩。
《王牌大贱谍》(1997年)
《青春年少》(1998年)
《爱犬大赛》(2000年)
《超级名模》(2001年)
《婚礼混混》(2005年)
《40岁的老处男》(2005年)
㈨ 《冰雪奇缘2》中迪士尼文化的创新与传承有哪些
自从皮克斯和梦工厂崛起后，迪士尼一直处于一种困境中。他们在努力找寻和其他Animation Studio相比，自己身上最独特的地方是什么，自己代表着什么。他们也比谁都清楚，没有创新就不会前进，但同时也不能丢掉自己的文化遗产。
两位作曲家也是积极的与导演们沟通和创作音乐。有意思的是，本片的所有由配音演员唱的曲子都是夫妻俩人操刀的(他们是songwriter)，但是原声带(score)是另外一个人Chris Beck创作的。所以夫妻二人组也少了些压力，可以更加专心的创作有百老汇风格的歌曲。Chris Beck在自己的背景音乐加入了他们二人原创歌曲的一些旋律以保证整张专辑的连续性。比如说全片最结尾的音乐就是“Do You Want to Build a Snowman”的变奏版，这又体现了合作。