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半夜鬼敲門電影國語 2022-10-01 21:37:15

一部香港經典電影賞析論文

發布時間: 2022-09-24 01:55:11

⑴ 電影《青蛇》經典賞析:鬼才導演徐克真情力作,獻給世上懂情之人

一、影片簡介

《青蛇》改編自李碧華的同名小說,由徐克導演,張曼玉、王祖賢、趙文卓和吳興國主演,電影插曲由詞曲作家黃沾、雷頌德完成。影片於1993年11月4日於香港上映,獲得第13屆香港電影金像獎最佳美術執導、最佳電影配樂獎、最佳服裝造型設計獎,是鬼才導演徐克的代表作之一。

二、影片主題

影片取材自民間傳說《白蛇傳》,但與傳統講述方式不同,該片從青蛇的角度去探討青蛇、白蛇、許仙及法海之間的情感糾葛,對人間是否有情及情為何物提出質疑。

拍《青蛇》是徐克多年的一個心願,藉《白蛇傳》這個家喻戶曉的民間故事,徐克希望道出現代女性愛情的愛恨纏綿和有情有義。

三、對比原著

《白蛇傳》是以白素貞為主角,但在李碧華的小說《青蛇》中,青蛇反客為主,由白素貞的丫環變成了不惜主動追求白素貞心儀男人許仙的另一種「小青」。

到了徐克的電影中,青蛇更變本加厲:除了主動追求許仙外,她還混合了善妒、活潑、調皮、不甘寂寞、打抱不平、反叛、獨立等個性。最後,白素貞死了,小青殺了懦弱無能、出家避世的許仙後帶著白素貞的兒子獨自上路。

四、兩次觀感對比

第一次看《青蛇》,感覺很怪,白蛇和青蛇,一改往日《新白娘子傳奇》中的發型,整個設計很「蛇性」。

尤其是兩人剛變成人形,拖著濕漉漉的頭發趴在屋檐上那會兒,還有小青把兩只腳當作尾巴盤在樹上偷懶,被白蛇拉下來,兩人扭著腰肢走路的場景,在顛覆了前作經典的同時,著實讓人忍俊不禁,我想這樣的設計也只有鬼才徐克才能想像的到吧!

第二次看,關注點開始由外轉移到內,比如兩個人的出場,青蛇止步於青樓,白蛇青睞於書院,兩人的性格志趣可見一斑。

青蛇的調皮淘氣,沒事不是爬在地板上捉蒼蠅,就是爬到房樑上捉老鼠,上躥下跳,一會兒都不得安生;白蛇的成熟穩重,一有時間就手拿佛珠修行,學人說話,盡管說起話來,就跟念戲文似的,但是既來之則安之,她在學著做人,也在努力地適應人間的生活。

五、影片成功三要素

1.原著小說的精彩

作家李碧華最擅長的是寫情,她筆下的情充滿了浪漫、激越、凄艷的色調,譬如《誘僧》中的紅萼公主為心愛的人生生挨了一刀,直戳心窩而視死如歸;蒙天放對冬兒的愛情三生不渝,千年不變;程蝶衣那種一個男人對另一個男人泥足深陷的情感,以及《生死橋》中三男二女的情慾糾纏,都揭示了人物復雜豐富的心靈世界,表達了作者對情的執著追求。另外她還喜歡故事新編,像《青蛇》這般推陳出新,不落他人窠臼。

李碧華說她寫作是為了自娛,如果本身不喜歡寫,只是為了名利,到頭來是會很傷心的,她相信自己的靈感,她創作"從來沒有刻意怎麼寫,所有的景象、聯想,見到什麼,想到什麼,都是在下筆的時候不知不覺地出來的。"

2.導演功力的深厚

徐克表示,故事概念與李碧華原著分別不大,只是加強了戲劇性,突出了白蛇與青蛇在情義取捨上的矛盾沖突。他希望給《白蛇傳》注入新元素,以表現現代女性對愛情、友情的看法。

如夢似幻的媚情妖女、不甘寂寞的「第三者」、情義雙重的錚錚俠女,加上他的強項——眼花繚亂的特技,確實讓人耳目一新。正如徐克自己所說:「電影導演如果有宗教般的狂熱和小說家的想像力,電影就會產生一種魔力」。

另外,在感情的處理上,徐克比李碧華更進一步,他讓最妖嬈的小青勾引最英俊的法海,讓法海痛苦地發現自己的定力在小青的誘惑面前根本不值得一提。而白素貞和小青,一個修煉1000年,一個修煉500年,來世間一場,只為了做「人」,到頭來發現人世間的真情,尚不如妖。

3.電影配樂的魔力

如果說李碧華的原著是電影的「骨」,導演、演員的表現是電影的「血肉」,那麼黃沾的配樂無疑為《青蛇》穿上了最合身的衣服。

《流光飛舞》以古箏開場,配合青白二蛇的裙擺撩動、顧盼生姿,在妖冶蠱惑之美中亦不令人覺出輕佻,彷彿時光的流動飛舞。

《人生如此》的歌詞契合電影主旨,黃沾表示當年填詞時曾推敲到茶飯不思,最終寫下面對生死輪回時"人生如此,浮生如斯"的慨嘆。

《莫呼洛迦》是首帶有天竺風的樂曲,是黃沾專為"蛇妖主題"而創作。莫呼洛迦一詞取自佛教用語"天龍八部"之大蟒蛇,歌曲配合片中青蛇幻化成人時的妖嬈華麗,面對紙醉金迷的濁世揭示出"莫嘆息,色即空,空變色"的佛學理念。

六、精彩花絮

1.徐克最初打算讓鞏俐和梅艷芳聯袂演出本片,但因檔期問題雙雙未能如願。但後來頂上的王祖賢和張曼玉演出效果卻奇佳。

2.李碧華是張愛玲的讀者,原著被認為是對張愛玲的《紅玫瑰與白玫瑰》的延續,說出每個男人都希望生命中有兩個女人,一個白蛇,一個小青。

七、問題互動

1.白蛇和青蛇為什麼要決裂鬥法?

答:是因為青蛇勾引了許仙導致白蛇生氣?還是因為青蛇勾引法海和許仙成功,發現白蛇說的從一而終是錯誤的?都不是。

最根本的原因是白蛇說的:「我已經有了許仙的骨肉」,白蛇已經不再是蛇了,白蛇已經是人了,白蛇已經完全有了人的七情六慾,也體會到了做人的痛苦,知道了做人的條條框框。白蛇開始明白了,做人會痛苦,做人會太累,做萬物之靈並不一定比做蛇來的快樂。

而小青還有機會不成人,所以白蛇和青蛇鬥法,要趕走小青,其實是在是在救小青。

經典台詞賞析:

小青:姐姐,這是什麼?白蛇:也好,還不知道眼淚是什麼,等知道了就痛苦了。小青:不會的,你有的我都會有。白蛇:傻瓜,當你覺得自己什麼都只贏不輸時,怎麼會有眼淚呢,怎麼會哭呢,小青,不要強迫自己,你不會明白,你沒人的感情。

2.為什麼小青覺得做蛇好的時候,白素貞說做人特別的好?現在卻又說做蛇好?

答:其實,從白素貞的角度來看,她一直是從自己認為對小青有利的方向去教小青的。當她覺得做人好時,就讓小青做人,當她對做人產生懷疑時,就讓小青做蛇。

由此可以看出,徐克是把小青當作了人妖的分水嶺,並站在青蛇的角度去探討青蛇、白蛇、法海及許仙之間的凡塵情感,對人間是否有情及情為何物提出質疑。

白素貞和小青,一個修煉1000年,一個修煉500年,來世間一場,只為了做「人」,到頭來發現人世間的真情,尚不如妖。

3.看完《青蛇》,你覺得是做人好,還是做妖好?

答:用相對論的觀點來看,當我們是妖時,我們會羨慕做人好;當我們是人時,我們又會羨慕做妖好,人總是那麼的矛盾,所以有句話說得好,最好的生活往往在彼岸。

如果把人和妖看做人生的不同階段,妖無疑代表了我們無憂無慮的童年,而人無疑代表了成年之後的我們,童年有童年的魔力,成年有成年的魅力,他們都是我們人生的必經階段,無所謂好壞,只要經歷過了,就是財富。

八、電影的四個層次

一部好的電影是分層次的,第一層是給票房的保證,給愛看熱鬧的人看得。

第二層是給想回味的人看得,所以裡面有些前後呼應的地方,要看兩遍才能發現。

第三層是給愛思考的粉絲看得,越挖掘,就發現裡面內涵越豐富,也是電影主創的用心所在。

第四層是主創們自己也不明白的,或者故意曖昧的留下模糊,想和觀眾交流交流,給觀眾想像的空間。

九、經典賞析結語

好書要反復讀,好電影要反復看,隨著年齡和閱歷的增長,你的見識和見解也會有所不同,本期經典賞析到此結束,希望大家有時間可以多多溫習經典,做一個經得住時間考驗的人!

作者簡介:夢菲,資深編劇、影評人、自媒體人,深耕於娛樂影視領域,歡迎關注。

⑵ 求對一部電影中人物事件的法律分析論文

《費城故事》

雖然這部電影就是法律題材的,不過這個案件也很值得討論,而且是湯姆漢克斯和丹澤爾華盛頓兩大影帝同台競技。至於故事,就是講述的湯姆漢克斯扮演的同性戀者,感染了愛滋病,而被公司老闆解聘,為了維護自己的權益他請來同樣是律師的丹澤爾華盛頓幫自己打官司。

⑶ 需要一篇經典電影的賞析論文,3000字

拯救大兵瑞恩》之結構�6�1人物�6�1藝術特色淺談《拯救大兵瑞恩》是一部描寫二戰時期的影片,講述了盟軍一隻八人小分隊潛入德軍後方,歷盡千辛萬苦,終於成功找到並帶回一位名叫瑞恩士兵,把他送還給他那已失去四個兒子中三個的母親的故事。 比照以往,戰爭題材的影片往往節奏緊湊,而這部影片卻是個例外,揮毫潑墨用了整整40分鍾描寫諾曼底登陸的血腥場面,以至許多觀眾都因受不了這樣的視覺刺激而提前退場。作為一個「極熱」的熱開場,導演無疑為屏幕前的觀眾們製造了與電影內容極為相符的情境,戰爭是慘烈而血腥的,人在彼時顯得如此脆弱,槍林彈雨穿透頭盔、撕裂身體;士兵在灘頭上尋找自己的殘肢斷臂;一聲炸響過後,米勒拖著的傷員只剩半截……戰爭場面的還原達到罕見的真實。而氣氛烘托濃烈之餘,導演也精明地埋了鋪墊,即為日後把人小分隊深入德軍的巨大危險性作了全面預告,先讓觀眾在自己心裡有了對比,當然也就更迫切地想知道艱巨的任務如何完成。情境這座平台的成功設置,開拓了日後情節沖突發展的空間。四十分鍾漫長視聽刺激過後,本片節奏的功力開始凸現:導演僅用了五分鍾的膠片,八人小分隊就已走在了尋找大兵瑞恩的路上,情節交待簡潔明了。一行人行軍的過程可算開端單元的句號,到此為止,每個成員的性格都已有所體現,小翻譯厄本跑前跑後問這問那既鬆弛了氣氛,又為下文揭開「米勒戰前的職業」打下伏筆。全片也進入帶入過程。帶入單元的第一個小高潮發生在第56分鍾,列兵卡帕佐被狙擊手擊中,不幸犧牲;第二個高潮僅在兩分鍾後的58分,雙方無意間產生對峙,最後以敵方被擊斃告終。兩個高潮連接得如此緊密,彷彿預示著本該得到休息的精神並不可放鬆,置身戰爭,理當如此,但一味強調警惕、危險不但不符合觀眾的審美需求,也難免把自己的門檻墊高,於是新因素介入——第一個瑞恩帶著搞笑的蠢氣上場,一點失望過後,留給觀眾更多的是希望。第三個高潮來臨,以數銘牌為過渡,小分隊的又一名成員——軍醫迪克�6�1魏德死在攻擊傘兵的堡壘前;緊接著厄本放走德國人引發了第四個動作性不強,卻更為重要的高潮:列兵魯賓揚言離開,軍士豪沃茲舉槍阻攔。這個高潮的人物關系開始發生變化,不單單是小分隊里的上下級,還有隊員之間的分歧,以及最終極的矛盾——此次行動到底值不值得的點題,導演代米勒作了最機智的回答。這個高潮也可以看作發展部的內容。真正的瑞恩出現,是在影片過半,可見導演的目的很明確——救誰並不要緊,重要的是救人這項行動。個人認為接下來守橋戰斗的開始就已是高潮的部分了,發展部只有十幾分鍾,完成一個任務的轉移——救瑞恩到守橋。有趣的是,守橋階段的戰斗與開頭諾曼底登陸的長度相仿,都是四十分鍾左右,可見本片敘述的輕重緩急,導演拿捏的大膽而准確。作為高潮,這部分本該是情感最強烈、最緊張的時刻,主人公命運的高潮,主題的高潮,性格的高潮,但又由於戰爭題材的緣故而變為視聽等感官刺激的高潮,所以可以說這部影片的視覺高潮和主題高潮在時間上是相一致的,便於觀眾體悟電影的主題。高潮與結局連接緊密,而實際高潮的結束也就意味著表達的完結,最後老瑞恩在陵園的一場戲更多是為結構的完整性服務,而非情節上的必然連貫。繼結構合理之外,影片的人物塑造亦非常成功。八人小分隊,人皆迥異。軍士豪沃斯是米勒上尉的忠實下屬;下士厄本是連短兵相接時都會用敵國語言喊「放下槍」 的小翻譯;軍醫迪克�6�1魏德事業心強烈,常為自己無法擔負與身份相符的職責而自責;其他四人都是列兵,魯賓對米勒上尉來說不是省油的燈,這個機智刻薄的紐約客毫不掩飾對此項行動的憤慨和質疑;卡帕佐是個心地善良的澳大利亞人;利施很有正義感,他為納粹對猶太人的所作所為義憤填膺;狙擊手傑克遜長著一幅桀驁不馴的面孔,卻是個虔誠的教徒,把每一個狙擊對象當作上帝賜予他的禮物。 而我想詳談的是主人公米勒上尉,和他所拯救的大兵——瑞恩。 米勒。米勒是個英雄,卻不是唯一的英雄。如果當面跟他這么說,他一定會笑著讓言者滾蛋。畢竟,「英雄」這個詞只對活著的人有意義,只對在乎他的人有意義。顫抖的右手、倒下的戰友、失聰、指揮戰斗、搶灘成功,與其說這是性格的鋪開,毋寧說是對米勒能力的首肯。可以說到軍醫死前,他都可被任意一部戰爭片中的長官所代替。服從命令,寬容下級,所有的抱怨照單全收,所有的任務漂亮完成。可以說導演塑造了一個真正立體的分隊長,他不是靠等級威信、軍人責任感支在下屬面前的,他想妻子、想回家,他會把袒露內心最柔軟的部分,當作作為一個完整的人,羞於與人分享卻又自豪而甜美的經歷。當然,他決不會忘記身為軍人的職責,和那個待他拯救的孩子的幸福。這部影片的美國色彩濃郁,家庭對美國人來說,幾乎等同於信仰,我想米勒在執行任務的同時,一定也無數次在心裡抱怨再自我安慰,或許每次說服自己的,除了「救了瑞恩,就離家近了一步」之外,還有「救瑞恩的家,也是救我自己」吧。軍醫下葬時,那個男人獨自一人的哭泣突然很動人。 瑞恩。大兵瑞恩並不是一個十分重要的角色,即便處於事件的核心,他的重要性也早被這次行動本身的意義所掩蓋。但是,略去拯救對象的額外身份,他,又是觀眾了解美國最普通士兵的途徑。瑞恩就像一扇窗,透過他,不難看到那些平凡的美國年輕人在沒有被社會賦予特殊關照時應有的戰爭經歷,那些跟瑞恩一道守橋的戰士們,甚至包括去拯救瑞恩的小分隊。被拯救,這是外界不為他所掌控的因素賦予他的義務,與他無關,因而影片的視角擴大了,在守橋之役前瑞恩根米勒講述自己兄弟的趣事一場戲,導演並非在試圖說服觀眾,力證這次行動是在拯救一個多麼值得憐憫的家庭,而是通過瑞恩的嘴,說出每一個美國士兵的故事——戰前,誰都有美好的生活,每個人都有他們被子彈擊中時要為之感傷和不舍的東西,那究竟是什麼?可能在美國,那是家庭的回憶,在別的地方又是別的什麼,總之是一些值得珍藏和懷戀的,卻又遠離的東西。戰爭的作用在這里僅僅是毀滅所能毀滅一切,戰斗者們便是要奪回他們能奪回的部分。瑞恩的性格體現相對於其他人來說,更為類型化,同樣更具有現實意義。 就藝術特色而言,這部影片的鏡頭運用很見功底,導演的意圖在鏡頭中往往表現得十分明確,並有出色的感染力和表達能力。在影片的前40分鍾里,與其他人也一樣,小分隊隊員搶灘時平行蒙太奇利落的切來切去要傳達給觀眾的不只是「臉熟」(對第二次看片的人是),更多的是戰爭的高強度視聽施壓,導演在這里要表現的是人類成片死去的過程,還有一些未死之人爭取活下來的過程,在這里沒有英雄沒有猛將,所有人的生命都微若草芥,隨時可能化為冰冷的統計數字中的一個,沒人相信「理智」,正如沒人會有意識的試著躲一顆子彈。又如卡巴佐犧牲的一場戲,鏡頭大部分時間對著敵方的高樓上的狙擊手,主觀鏡頭與臉部特寫頻繁切換,顯示出人物內心的猶豫不決,琢磨不定,而當鏡頭里的準星終於辨認出狙擊手傑克遜的影子,卻也是自己命喪黃泉之時。一個反視角的運用告訴我們,在戰場上一對一的決斗中根本沒有正義和非正義的言論必要,因為那時除了生,就是死。鏡頭的內容完全與所要表達的主旨一致,厄本最後開槍打死他曾放走的德國人時,攝影師並沒拍屍體,可見死的是誰並不重要,重要強調的是,他終於敢殺一個該死的人了。影片結尾米勒死去,賀信的聲音作為畫外音響起,那是美國政府在宣讀給瑞恩母親的賀信,硝煙尚未散去的戰場上,空鏡頭緩緩移動,傑克遜炸黑了的高塔,戰坑,破碎的橋面和屍體,每個行動著的人的表情都沉靜而安詳,他們還活著,他們在聆聽,那些軍方贊美瑞恩的語言那麼美,那同樣是贊揚所有軍士的語言,所有活著的人包括厄本,和那些死去的,更加無畏的人們。 戰爭與生命一旦被放在同一架天平的兩側,那麼就註定了「毀滅」二字的分量沉重。真正的戰爭片從不避諱人類為自己留下的創傷,而在戰爭陰霾的背後,同樣折射出人性燦爛的光芒。
希望有幫助你!

⑷ 電影《功夫》賞析 論文要求: 論文要求: 1.請分析該影片的剪輯技巧、拍攝手法、蒙太奇應用、敘事手法(注

沒空幫你寫那麼多了,還有,這個不叫賞析,這個是我們編導行業要寫的東西,你說的應該是影評
剪輯技巧我說不好,不說這個了,拍攝手法你可以根據遠全中近特來一一劃分來寫,就是遠景——俯瞰,遠看的,都是屬於遠景。全景——比如一個人整體樣子。中景——一個人的臉部。特寫——一個人的眼睛,眼神或一個動作,一個有伏筆的動作。
蒙太奇——這是一種拍攝的表現方法,一般分為敘事蒙太奇,表現蒙太奇,理性蒙太奇。在功夫這部影片中,拍攝方法一般為敘事蒙太奇,用得比較多的是平行蒙太奇與顛倒蒙太奇。平行蒙太奇指兩邊一起進行的活動,而顛倒蒙太奇在功夫中有一個最明顯的例子,功夫先進行故事的敘述,在而後的劇情中才出現他小時候的場景,這就是典型的顛倒蒙太奇
敘事手法,這個我也是不太擅長的,稍稍說一下,一般分為倒敘正敘和插敘。功夫這部影片中,運用的應該是插敘,在故事的發展中插入過去的故事。
本來想給你找一篇影評,復制粘貼,最後發現沒有合適的,就只好自己打了這么多。不是不幫你寫,是我這時間實在不夠了,余額不足5毛不停地蹦啊,一會要下機了~額~不知道你要這個是幹嘛的~是不是和我一樣學編導的要寫影評的呢~要是真的是自己寫的話,記住有的東西要是一直抄是沒有結果的,最後沒辦法分析好的。還有,寫影評也要挑片子的,功夫這個寫影評不合適的,像英雄,百花深處,這樣的電影是很值得分析的,每一個細節都有寓意,每一個鏡頭都有隱藏的伏筆在裡面。扯遠了~寫影評要用自己的心寫~抄是沒有意義的~

⑸ 急求一篇影視鑒賞論文 3000字

影評:《嫌疑慣犯》(影視鑒賞課論文) 《嫌疑慣犯》並不是一部獲得過奧斯卡獎的電影,因為1995年的奧斯卡評委們需要在太多好作品之間作出犧牲;《嫌疑慣犯》並沒有如今大片動輒上億的資金投入,但它在IMDb上13萬投票中獲得的8.6的高均分和15位的排名卻證明了投資方微薄投入所換來的回報。沒錯,《嫌疑慣犯》是一部成功的電影,其成功之處也十分顯而易見:曲折的劇情和相比劇情更令人震驚的技法。 影片開始,導演便一反常態地將事件的結局告訴了觀眾們——深夜,一條躺滿了屍體的船上,神秘的黑衣人、左撇子的「愷撒」槍殺了基頓並燒毀了現場離開。接著,鏡頭轉到了六個星期前,採用倒敘的手法,並通過倖存者羅格之口向觀眾講述事件開始時發生的事。導演使用了數次蒙太奇將基頓,霍克尼,邁克爾,弗斯特幾人被警察逮捕的場景串聯了起來,於是這幾個貌似身份地位各不相同的人的命運被自然而然地聯結在了一起。他們被警方指控的罪名是「騎劫滿載武器的貨車」,他們雖然都應該是不折不扣的罪犯,但都基頓和羅格早已洗手不幹,對於此事也根本不知情。正當觀眾對此正一頭霧水之時,故事又回到了六個星期之後:警方處理了這次事故,在船上發現1億美元全部失蹤,15具燒得面目全非的屍體,同時還有兩名僅存的生還者——一個是位嚴重燒傷的匈牙利人,另一個正是影片開始時被警方詢問敘述事件過程的羅格。六個星期前負責逮捕基頓的刑警戴夫急匆匆地趕到了聖佩德羅,想要在羅格被釋放前再了解一下事情的經過。於是警官的詢問便在當地警長的辦公室與羅格一連串緊張且不知所謂的話語動作中展開。羅格是個軟弱、笨拙、羅嗦又有跛腳的人,連煙都得讓別人幫點,他又能揭曉什麼樣的秘密呢?羅格的故事回到了六星期前的雨夜,他們五人被假釋出來,但事情並未因此完結。他們認為是警方不肯放過他們,他們需要做件揭露警方黑暗面的事叫他們住嘴。於是,他們搶劫了一輛由一些違法警察專為走私開設的「計程車」,雖然獲得了成功但五個人從此被粘在了一起,不得不繼續為犯罪集團做事。他們奉命搶奪了一箱情報中所謂的寶石,拿到的卻是一包包的毒品——不知不覺中,他們已被一股未知的力量推上了絕路。於是這力量通過中間人,小林律師找上了他們。原來他們的被逮捕並非偶然,而全部是那個叫「愷撒·索澤」的人安排的。沒有人見過他的真容,他的手下也對他們的僱主毫不知情。而就是這樣的神秘人,卻對他們的底細了如指掌——原來,他們五個從前都曾在犯罪過程中妨礙了「愷撒」的「生意」,雖然都是無心之失,但「愷撒」並沒打算放過他們,他計劃讓他們五個通過替自己動手賣命來給他「還債」。不僅如此,原來基頓他們殺死了商人奪取的那一箱「寶石」也是「愷撒」的手腕,他早已收集了這起案件的證物,若基頓等人拒絕,他便會向警方告發他們的罪行。第二天,五人中的弗斯特逃跑了,可是當晚他們便見到了他的屍體。基頓等人費盡心力想到了擺脫「愷撒」控制的方法,卻也在他通過小林提出的更多要挾之下屈服。終於到了要替「愷撒」「工作」的那一天,此時故事的時間已到了現實的兩天之前。進攻開始,計劃進行的很順利,突然負責爆破的霍克尼被人從背後射死,驚恐萬狀的敵人首領也在大喊著「愷撒·索澤,愷撒·索澤」之後被真正的「愷撒」射殺,當基頓發現船上並沒有任何被交易的毒品同時,也目睹了邁克爾的死亡。終於,身中一槍的基頓也見到了這個「愷撒」的真容……這個時候,故事完全回到了開始時觀眾見到的場景,「愷撒」將基頓槍殺後燒毀了遊船離開……但是,現在的這個看似與之前一模一樣的場景卻與之前有一個本質的不同,這一點立即被刑警戴夫指出了——羅格並沒有看到基頓被槍殺,只是聽到了聲音。同時,應該被「愷撒」承諾留活口的基頓最重要的女友也被發現遭到謀殺。行動時他們四人除了羅格之外都身手不凡,而基頓偏留下羅格掩護並使其倖存。而船上的屍體都被燒得如同焦炭,根本無從知曉哪個是基頓——所有的現象都表明,其實,「基頓他就是『愷撒』!」刑警一語中的,「他留下你就是因為你最弱!」一切都揭曉了。原來那個因為貪污受賄而被解除職務還曾入獄的警察基頓並沒有悔改,他隱藏自己的身份,消滅一切可能妨礙到自己的人,他就是幕後的主使!可憐的羅格在知曉這一切後哭哭啼啼地離開了警局,而戴夫也因為自己找到了真相得意的笑了。 ……故事的結尾,是不是太簡單了一點?……在羅格領走了自己的金錶和金ZIPPO之後,戴夫滿面微笑地聊著天,回身看著他的同事凌亂的辦公室,這辦公室的後牆有塊黑板,貼著無數案子的資料。看著看著,他突然注意到了黑板的左下角:「四重奏牌,伊利略州高崎市,電話……」「我以前曾在伊利略州高崎市的四重奏理發店工作……」戴夫手一松,乘著咖啡的馬克杯頹然摔在地上變得粉碎,而杯子的地下寫的就是KOBAYASHI Procelain(小林律師的全名)。再往牆上的資料看去——Redfoot,瓜地馬拉采咖啡豆,理發店的肥胖伙計,等等等等,這些羅格口中關於自己與案件的資料居然全部寫在這面牆上各個資料中!原來刑警完美的推理在30秒之內被完全的推翻,因為他推理的根據竟是一整套的謊言!羅格的坐位與牆之間只有兩米的距離。就在這兩米之間,戴夫已經完全被愚弄在了羅格,這個Mr. Verbal的股掌之間!就在戴夫與觀眾的嘴都大張合不攏的時間,羅格一步一瘸地走到了街上。突然,他的腳慢慢地扭回了正常的位置。他張了張左手,熟練地掏出打火機,姿態瀟灑地點燃了口中的煙,又取了下來,在街口等待他的是小林——不,只是被他稱為小林的人。他們開著車揚長而去,留下戴夫與觀眾們不停地拍著自己的大腿——背景音樂陰沉昏暗,回響的只有羅格受審問時說的一句句話。每一句放到現在來,都是對我們得意的猜測的一次次嘲弄——終於,醫院里那個倖存者描述的「愷撒」的相貌也傳真到了警局,上面畫的正是某人的臉……「And like that, poo```,he』s gone````」「愷撒·索澤」又一次變成了蒸汽一般的存在,留下的是恍然大悟或一頭霧水的觀眾們。無數喜愛這部電影的人都是在看了數遍電影才真正了解背後的真相…… 沒錯,我也是這樣。 如果你看過這部電影,或是看了我的敘述,你定然會覺得這部電影的劇情曲折離奇值得回味。但是,如果不使用現在我們看到的雙線並行,而且是過去與現在雙線並行的模式來講述整個故事,那就變成另外一種模樣——故事會象平時看到的其他電影一樣,象大樹從中向外的生長一樣發展。而《嫌疑慣犯》的故事結構如同一顆洋蔥,一層一層地剝開方見其中奧秘(去年奧斯卡獎影片《撞車》也成功運用了這種方式)。這種模式是很少見的,放在這部影片中也是很成功的。影片的畫面主要是較為明亮的風格(相比恐怖片而言),同時又透出凌亂壓抑的氣息,這無疑很符合影片強調的格調。因為需要在過去與現在之間來回切換,所以影片也非常重視蒙太奇的使用,尤其是五人被分別逮捕時的鏡頭剪接毫不突兀非常完美。影片的背景音樂與影片本身的配合也同樣可圈可點。當然,作為一部商業影片,光靠上面的這些是不夠的,重要的東西,還是劇作——我覺得這也是近幾年中國商業電影欠缺的,這么好的畫面,怎麼沒有劇情呢………… 最後,我還想說一下在本片中扮演重要人物羅格·昆特的著名演員凱文·斯帕西。他在本片中的毋庸置疑的搶眼表現使他藉由本片獲得了當年的奧斯卡最佳男配角獎(雖然我為摩根·弗里曼未能於同時獲此殊榮非常遺憾,但凱文·斯帕西的演技實在太出色了令人五體投地),同在1995年,他也在《七宗罪》中扮演了戲份不多但非常重要的幕後真凶,並在劇中與摩根·弗里曼合作。於是,於1994、1995年涌現出的三部優秀電影《嫌疑慣犯》,《七宗罪》和《肖申克的救贖》(這三部電影也被人們稱為「男人三部曲」)中,他與摩根·弗里曼各參演了兩部。在好萊塢主演有很多很多,但如凱文·斯帕西與摩根·弗里曼這樣堅守在配角的位置上並能上佳表現不斷著實不易。

⑹ 誰可以給我一篇港台電影的賞析論文

《猛龍》畫虎不成反類犬
一天到晚看的都是《大長今》、《人魚小姐》、《慾望城市》、《佐羅傳奇》,人們是怎麼了?原來是走向國際化了,我們也是國際人了。要改革、要新技術、要老樹開新花,《猛龍》中黑社會的「有志"青年們在吶喊著,黑社會也要國際化,段氏兄弟表情嚴肅,正襟危坐如是說,不然香港黑社會是沒有出路的。於是他們吸引了大量的外援,不同國籍、不同派別的幫會,龐大地、有系統地匯集替他們工作。在他們手上,香港變成了真正的國際化大都市。

《猛龍》內容上最國際化的元素莫過於其暴力美學的運用。此片的監制是好萊塢重磅級人物史提芬·西格,他的那套暴力美學讓觀眾記憶深刻。相應此片的國際化道路,《猛龍》的動作設計帶有西方色彩就不足為奇。暴力是這部電影最為搶眼的元素——槍戰、大刀橫過,還有把血淋淋的人頭拎在手裡,的確非常搶眼。無數人曾夢想自己馳騁沙場,其實何嘗不是期冀滿地的鮮血以及刀劍橫過他人所帶來的快感。但是很明顯的一件事情是,我們不能過度宣揚暴力,更不能濫用這種令人渾身毛發直豎的手段來吸引影迷的眼睛。《猛龍》裡面出現的血腥場面估計會讓很多很多的女生發出高強度的尖叫。

影片開始時有一點《無間道》的影子,一個個人物的閃回,讓人有似曾相識的感覺。只是很多東西過於刻意於是看完電影以後,很多人就會發現電影走了一條警匪片常常陷於的誤區。為什麼阿樂沒有死掉?因為我們常常不忍心讓正義敗於邪惡,因而這種刻意的成分就更加強烈。如同以前的《沖出亞馬遜》,我很難以忍受那種為了表現人物的品質而刻意拔高的行為。當然,《猛龍》似乎是略勝一籌的,除了角色的百折不撓和百打不死之外,似乎讓人找不出別的毛病。

其實當中國電影開始走向國際的時候,我們就應該知道可能會喪失一些東西。中國的電影文化是中國自己的,不是好萊塢的。說實話,《猛龍》的劇情實在難以與其所宣揚的暴力美學相媲美。邏輯先不提,單是許多橋段為打而打,就不能讓觀眾體會到其趣味性。故事情節也是老套:幾個年輕隊員組合團隊,起先不能抵擋經驗老到的雇傭兵,最終因配合默契而戰勝敵手。敵人中的頭目異常兇狠,但還是對一位女子起了愛心……這些劇情相信影迷們都能閉眼寫出。

⑺ 影視音樂賞析論文

影視音樂是音樂和影視的結合,當音樂一旦融入影視之後,就成為影視作品中不可或缺的重要元素,並迅速發展成為一種新的音樂體裁。下面是我為大家整理的影視音樂賞析論文,供大家參考。

影視音樂賞析論文範文一:影視音樂的審美意蘊研究

影視畫面與影視音樂相結合,不僅可以使影視作品的畫面更加有活力,而且還能將視覺的東西聽覺化,讓作品所要表達的感情更為深刻。比如,我們會在燈光閃耀或者是星光燦爛的時候用鋼片琴表達,也可以用雙簧管或者是長笛來描述生機勃勃的清晨,還可以在微風吹拂的時候加上一些小提琴的顫弓效果使這種感覺更形象化……這樣的情景交融可以讓觀眾在視覺享受的同時感受聽覺上的美,視覺和聽覺相結合,共同感受作品的情感。以實例來說,鋼琴所抒發的感情是非常優越的,因此,在紀錄片《冬獵》中,當冰雪覆蓋自然的景象出現時,就會響起一陣透徹且明亮的鋼琴聲,為了突出樹掛的特色,鋼琴快遞下行的琶音就能形象地將枝頭掛著冰凌的景象表現出來,通過音樂使整個畫面更有激情,刻畫的景象更深刻。音樂既能展現畫面真實的感覺,同時還能將所要展示給觀眾的意境傳達出來,在形似的同時做到了神似,使畫面極富感染力。

畫面往往只能表現主人公外在的一面,而往往主人公的內心是無法形象地表現的,這時,影視音樂就能很恰當地解決這個問題,它可以通過烘托背景氛圍來側面揭示主人公的內心世界。

1.烘托環境的氛圍。影視作品的環境氛圍是不能通過視覺觀察出來的,而影視音樂則可以通過旋律和樂器的變換來烘托背景氛圍。例如,電視劇《紅樓夢》,這部作品主要是通過展示林黛玉和賈寶玉的悲情愛情故事,來展現一個封建社會大家族的興盛和衰敗,以此來表達封建社會註定會終結的主題。根據這一作品,作曲家創作出了一系列以悲為美的音樂作品。使整個作品從頭至尾都貫穿著悲涼的氣氛,細膩地表現出了主人公的內心世界。這些音樂作品不管是歌詞、旋律還是和音響,都將這種悲情的美表現得淋漓盡致,使整個作品的背景都展現出一種悲傷的氛圍,讓劇中主人公的情感以及命運都在悲傷的氛圍中得以最自然的流露。

2.烘托時代的氛圍。影視作品還能通過影視音樂來烘托時代的氛圍。比如,電影《祖國的花朵》,它的一首插曲《讓我們盪起雙槳》曾經紅遍大江南北,被許多的青少年所傳唱。因為這部電影是一部有關兒童的電影,所以,這首插曲就能讓人感受到濃厚的童真童趣。歌詞和旋律刻畫了一副孩子們在課余時間在美麗的北海公園劃船遊玩的景象。展現出孩子們在最純真年代的幸福生活,將北海公園的美和孩子的歡樂描繪得出神入化,讓我們每當看到這部電影或者聽到這首歌曲,思想都能很自然地回到那個美好的時代。這正是影視音樂對時代烘托的最好的例子。

3.襯托地域之美。地域的美不僅從影視作品中可以感受得到,影視音樂也可以將其襯托得很完美。例如,電影《黑駿馬》,這部影片攬盡了草原遼闊坦盪的風光,同時捕捉到了草原上豁達強韌的生命力,向觀眾呈現出一種寬闊的胸襟,而由騰格爾作曲的主題曲《天堂》更是完美地將草原的美通過音樂展現出來,每當音樂響起的時候就能讓人想到遼闊的草原。

4.烘托民族的特點。音樂常常可以將一個民族的特點表現得尤為突出。例如,張藝謀導演著名的作品《十面埋伏》,這部電影的插曲《十面埋伏》運用中國的傳統樂器琵琶,將十面埋伏的那種場景表現得淋漓盡致,一方面深化了電影的主題,同時也將我們的民族特點得以突出。

音樂對觀眾的影響往往是經過潛移默化的,它會帶著觀眾走進影視作品中,感受主人公的內心世界,使觀眾可以在聽到影視音樂的時候自然而然聯繫到影視劇中的橋段,以此來將影視作品與影視音樂聯系起來。例如,曾經紅遍中國的香港電影《甜蜜蜜》,其中由鄧麗君演唱的主題曲《甜蜜蜜》堪稱經典。影片中的兩位主人公在初次相遇時,既浪漫又心動,這首歌曲用甜美的聲音唱出了主人公內心的甜蜜和幸福。隨著故事的發展,由於現實的壓力,主人公分分合合,最終在異鄉無意間聽到《甜蜜蜜》時四目相對,好像經歷了好幾個世紀,讓主人公心中的情感得以表現,因此,這首歌曲貫穿整部作品,將主人公的內心世界描繪得生動、形象、具體。

自1893年愛迪生發明了電影視鏡並創建“囚車”攝影場,“電影”就轟轟烈烈地登上了歷史的舞台,但隨著時代的發展,人們對藝術的鑒賞能力的提高,電影製片商發現單純的影視作品再也滿足不了觀眾的需求,於是影視音樂登場,它在擴展電影內涵、豐富電影美感上做出不可磨滅的貢獻,在當時音樂已經有了比較成熟的發展,結合影視劇情的一種新的藝術表現形式“音樂電視”也應運而生,它使音樂和影視都達到了一個新的高度,音樂更加富有內涵,而影視也更加傳神。

(一)連接影視劇情

電影的藝術表現手法多種多樣,太過繁復的劇情有時因為時間關系並不能細細講述;而多個主線同時發生的時間也不能同時描繪。所以經常會出現多個片段連續剪輯的鏡頭,這時,單純的畫面已不能圓滿地表達清楚細節,就需要利用音樂來銜接劇情,讓觀眾更深刻地領會電影內涵。比如在《無間道2》中,隨著劇情的發展,倪家為了鞏固自己黑幫的地位,而決定殺害其他四位合作者,而由於倪永孝心思縝密,計劃周全,鞍山行動幾乎在同時進行,所以導演用了大量剪切鏡頭分段描述刺殺四位頭目的過程,這時背景音樂開始演奏,從行動開始就彌漫著一曲凄涼的口琴演奏,舒緩、哀傷、壓抑。使觀眾沉浸其中,大量鏡頭的切換也顯得自然、流暢,更讓觀眾深刻地體會到男主角倪永孝的心狠手辣,也領悟到黑社會的殘酷。設計非常巧妙,背景音樂在此時承擔了非常重要的銜接的作用。

(二)總結影視內容

在電影劇情發展到一定階段,各種因果塵埃落定之時,再多的鏡頭畫面都不能更深入地表達內涵的時候,音樂的另一個作用就體現了出來,那就是總結、評價電影,給觀眾靈魂上以更深刻的沖擊,而且如果使用得當既不會使音樂顯得突兀,也不會讓畫面太過尷尬。比如:在電影《花木蘭》中,戰爭開始,泥土血水漫天,戰馬旌旗飄揚的戰場上,披堅執銳策馬奔騰的花木蘭出現。此時《木蘭情》這首音樂開始演奏,詞曲融入大量中國風,能使人產生較強的民族感,而且插曲旋律遼闊而大氣,以馬頭琴為主、古箏為輔的演奏工具更鮮明地表現出戰爭場面的震撼,與影片整體以及場景非常符合,結合強勢的背景音樂讓觀眾看著在血流漂櫓的戰場上廝殺的花木蘭,都會不禁心生感慨,為花木蘭的命運多舛而感到同情,同時也為花木蘭的堅強而自豪。這時的背景音樂就很完美地起到了一個點題的作用,無需再多的畫面描述,花木蘭那種在命運面前不輕易低頭、勇於直面困境的頑強心態得以完整地呈現在了觀眾面前,而且以音樂的形式烘托出來更讓觀眾有種只可意會的快感,更加強化了電影的效果。

(三)深化影視主題

一般來說成功電影的內涵並不容易讓人輕易領會,但台詞和音樂都會在不經意間流露導演的真實想法,這就需要觀眾去結合音樂細細品味,比如:在《大話西遊》中,初次看這部電影,大多數人都會以為這只是單純的一部喜劇片,但如果你細細品味就會發現其實並沒有這么簡單,在影片最後,孫悟空踏著七彩祥雲出現,與紫霞仙子在空中糾纏時,背景音樂《天地孤影任我行》開始演奏,最後紫霞仙子為孫悟空擋住了牛魔王的一擊之後說“我猜中了前頭,可是我猜不著這結局”,音樂也達到了高潮,那種凄美的愛情結合蒼涼雄厚、豪氣悲壯的音樂頓時讓人淚流滿面,這時全篇主旨才慢慢浮出水面,觀眾才突然醒悟,這根本不是一部喜劇片,而是講述凄美愛情的黑色幽默劇,劇情的轉折固然有重要作用,但明亮庄嚴的音樂才讓觀眾有了醍醐灌頂的覺悟。不得不說影視作品中音樂的作用非常重要,它可以深化影視的主題。

根據本文論述我們可以看出,背景音樂是影視藝術中一項重要的表現手法。音樂這種特定的表現手法創造了一種將人的情感超脫出畫面,外化成為一種動感意向的形式,以虛幻又充滿張力的聲音運動幫助觀眾進行審美思維的塑造,最終成就了影視音樂獨特的魅力。

影視音樂賞析論文範文二:淺論影視音樂的節奏藝術

一、影視音樂節奏與其他影視聲音形成的復合的聲聲節奏

影視音樂作為聲音要素在影視作品中與之伴隨的還有人聲和自然聲,由於同屬於聲音物質,影視音樂的節奏一定會受到這兩種聲音要素的直接影響。在某些學者的觀念里,整個影視聲音就像是具體音樂,也就是其他聲音就是音樂的組成部分,從而可以把整個影視聲音作為特殊的音樂來認識。這里我們雖然不能完全同意這樣的觀點,但音樂與其他聲1342013年第4期音之間的緊密關系我們不能忽略。特別值得我們注意的是在影視聲音設計中,由於其他聲音要素的客觀性和確定性較強,而影視音樂卻具有較大的主觀性和隨機性。作為一個獨立的聲音要素,它在創作中就具有非常重要的技術性和主觀能動性,而其中重要的一個技術性原則就是節奏。下面,我們分別來分析音樂與人聲、自然聲形成的復合的聲聲節奏的形態特徵。

(一)音樂與人聲的復合節奏

在有對白的情節中,人聲與音樂的的結合主要是縱向結合,它們結合形成的節奏形態可以分成主要三個類型:對應、對比和互補。在這里,我們不太可能也沒有必要像多聲部音樂一樣去量化分析兩個聲音層的節奏,但我們可以用它們表現出來的節奏特徵進行分析。在某些節奏點上,有時甚至可以用主觀與客觀結合的方法進行分析。從多聲部音樂的節奏特徵來看,對應性節奏基本上不改變原來的節奏特徵,但可以起到豐富和加強的作用。這在影視音樂與人聲的結合中是一樣的,比如快速的人聲對白與快速節奏的音樂的結合。在影視作品中,音樂會加強對白的節奏,同時還會加強語言的情感性。節奏的對比就是一個節奏層為快速,另一個節奏層為慢速。從理論上來說,快慢速節奏的結合就是互相綜合。如慢速的人聲對白與快速的音樂結合時,人聲的速度感增強,同時情感性增強。而快速的人聲與慢速的音樂結合時,人聲的速度感減弱。這種節奏形態帶來的另一種情況就是節奏對比打破了視聽聯覺的習慣,音樂節奏成為前景,視聽感官感受削弱,思想情感增強。音樂與人聲的互補就是兩者的節奏在橫向上都是變化的,但在縱向上結合起來就是一個復合的規律性節奏。在這里,由於音樂與人聲形成的音色節奏的加入使節奏的動力性更強,如人聲的節奏在橫向上是快慢快的進行,同時音樂的節奏在橫向上是慢快慢的節奏進行,那麼人聲與音樂就會在縱向上形成快慢結合,但在橫向上卻會保持相對穩定的聲音的復合節奏。音樂與人聲形成的復合節奏的節奏形態對於我們在給影片進行聲音設計時,特別是為一個有對白的情節配樂時,應該特別關注其他聲音在音樂節奏中的參與。比如有時為了聲音節奏的表現,我們會重新設計音樂的節奏。又如音樂可以參與復合節奏,但要考慮人聲的內容的表現。明顯的音樂節奏會影響語言內容的表達,所以特別在語言內容非常重要的地方,我們的聲音設計應該是,要麼音樂在聲場中置於背景,而語言為前景;要麼把音樂的節奏動力弱化。

(二)音樂與自然聲的復合節奏

自然聲與人聲一樣,許多時候會受到情節內容與畫面的影響,所以它的節奏非常具有客觀性和確定性。由於規律性節奏對於非規律性節奏的控製作用,當它與音樂結合時,人們會不自覺的讓它參與到音樂的節奏中。我們拋開自然聲的寫實以及表情的功能,從節奏的角度來分析它與音樂結合的復合節奏的形態以及特徵。自然聲與音樂的復合節奏同樣存在對應、對比和互補三種形態。如快步的腳步聲與快速的節奏的音樂的結合就是節奏的對應;密集的槍聲的快節奏與長音旋律的慢節奏的結合就是對比;格鬥中偶爾一記重拳與緊跟的音樂重音形成的一個以自然音為重音開始的音響片段就是節奏的互相補充。這里有一點特別值得我們關注,因為人聲的表意性大於它的節奏性特徵,所以它參與音樂的節奏的傾向性較弱,而自然聲的節奏特徵卻比較明顯,所以在與音樂的結合時與人聲不一樣的是它參與音樂節奏的傾向性大大增強。此時如果自然聲與音樂在縱向復合節奏上不能體現節奏的一致性的話,就會形成不協和節奏,如果不協和節奏不是我們此時的表現需要的話,一般在聲場上採用音樂成為背景,而讓自然聲成為前景的聲音設計,或者讓音樂的節奏動力弱化,突出自然聲的節奏和自然聲的寫實和表情功能。

二、影視音樂節奏與畫面節奏形成的復合的聲畫節奏

(一)影視畫面節奏的理論

從文章前面的論述我們知道:在音樂的節奏理論中,發音點、時值與停頓是節奏構成的三個必不可少的要素。這可以認為是音符的一次運動或一個節奏點,而多次運動或多個節奏點就會產生節奏感。這種神經反射的時間間隔存在於聽覺神經系統對聲音的反應中以及其他所有的感覺系統中,如視覺對對象活動的反應所具有的時間間隔形成會構成視覺的節奏體驗。用音樂的節奏觀念,我們就可以來理解影視畫面要素中剪輯、鏡頭、畫內信息的節奏。在剪輯節奏的構成要素中,一個鏡頭的第一幀可以認為是發音點,持續時間可以認為是時值,最後一幀可以認為是停頓;鏡頭的節奏要素可以理解為鏡頭運動的開始,持續和結束,也就是從鏡頭的起幅到落幅的過程。而畫內信息主要是人和物的運動,節奏也就是人和物的運動的開始,持續和結束。

(二)聲畫節奏觀念

影視音樂作為一種特殊的音樂形態,它不僅受其它聲音要素的影響,而且也會受到畫面節奏的影響。也就是說,影視音樂可以與畫面結合形成影視聲畫節奏。在無聲電影時期,音樂被認為是電影的伴奏,它的功能更多是增加娛樂性和滿足人們的視聽習慣。當然後來人們努力使音樂與電影協調一致,例如在情感和節奏上,但許多時候音樂與畫面在節奏上基本沒有什麼聯系。在有聲電影時期,音樂成為畫面的附屬,畫面的運動和節奏許多時候會配上相應節奏的音樂,這種方式被稱為按動作配樂,也叫米老鼠式編曲。當今時代,影視音樂成為影視藝術視聽要素中重要的組成部分,音樂不是單純的附屬要素,而是有機的成分,音樂積極的參與敘事,表情以及運動。在參與運動的過程中,節奏成為重要的載體。電影中聲音與畫面結合所形成的聲畫節奏的形態特徵的發展變化是一個從單一要素結合到多種要素復合的過程,也是一個從偶然、隨機到主觀、互動的的過程。影視作品中畫面的節奏主要由剪輯、鏡頭運動和畫內信息運動構成。在實際作品中,它們有時也有主次或前景背景之分。如某些畫面節奏主要是由剪輯節奏構成,而有的畫面節奏主要由鏡頭運動節奏構成。一般情況下誰的節奏速度快,誰就是主要節奏層次或者說是前景節奏。如剪輯節奏的速度超過鏡頭運動和畫內信息運動時,剪輯節奏就是主要節奏層次和前景節奏。

(三)影視音樂與畫面的聲畫復合節奏形態

與音樂、人聲和自然聲的節奏關系一樣,影視音樂與畫面的復合節奏主要有三種形態:對應、對比和互補。三種聲畫節奏形態體現不同的聲畫節奏表現特徵。聲畫節奏對應就是音樂與相同節奏速度的畫面剪輯、運動、信息節奏的結合而形成的聲畫復合節奏。當影視畫面的節奏較快而此時音樂的節奏也屬於快速的話,它們就屬於對應性節奏。節奏對應時,聲畫節奏又可能出現兩種狀態,如以畫面節奏為前景的聲畫節奏和以音樂節奏為前景的聲畫節奏。以畫面節奏為前景時,畫面內容的重要性被突出,內部節奏成為主要節奏層;音樂節奏為前景時,視聽感受被突出,外部節奏成為主要節奏層。當然還有一種情況就是它們互相都不是前景和背景的關系而是音樂的節奏點與畫面的節奏點形成節奏重音。由於節奏要素的增加和節奏的一致性特點,節奏重音的動力性會大大增強。對比性節奏就是音樂的節奏速度與畫面節奏的速度形成對比,也就是一個節奏層次的速度快而另一個節奏層次的速度慢。它們之間會形成節奏動力互相影響的情況。如快節奏的畫面節奏與慢節奏的音樂節奏結合時,由於對比節奏的出現,外部畫面節奏減弱,內部心理情感節奏感增強。由於視聽節奏的不一致而使人們會去主動感受外部畫面節奏之外的內部情節節奏。而當畫面節奏為慢速節奏而音樂為快速節奏時,由於對比節奏的出現,外部視聽節奏感增強。互補性節奏實際上就是畫面節奏與音樂節奏兩者的節奏點互相補充。如剪輯節奏為慢速時縱向上音樂節奏為快速,橫向上當音樂節奏變為快速時此時縱向上剪輯節奏則變為慢速。互補節奏只是節奏的要素發生變化而節奏的特徵保持不變。互補節奏有兩個方面值得我們關注,如由於要素的增加,它的聲畫節奏動力被加強;還有就是在情節中聲音和畫面互相加強而互不幹擾。如在音樂與人聲的互補節奏中,音樂與人聲的相繼出現可以使人聲表達的信息內容不受到其他聲音要素的干擾。

三、影視音樂與其他聲音和畫面形成的復合節奏

⑻ 跪求一篇關於電影《真實的謊言》的電影賞析論文!!

這部影片是90年代動作片經典之中的經典,是阿諾德·施瓦辛格主演作品中的極品之一,也是詹姆斯·卡麥隆導演作品的又一個里程碑。對中國普通觀眾來說,這部影片也是中國進口好萊塢大片的開始,曾經在大陸電影市場掀起觀影狂潮。
《真實的謊言》在影院上映的那個時候,我記得應該是國內剛剛開始從國外引進大片的時候,我們一家三口去電影院,用我在學校買的假期電影票,等到9點外語片場,看到11點左右才回家,這也是我印象中我們全家集體外出消遣,回家最晚的一次,除了除夕期間。

那年,我就認識了這個動作巨星,這個英雄丈夫兼父親。那個時候還小,根本不明白什麼叫「真實的謊言」,怎麼想也想不通,但還一直在想。直到幾年後又翻出這個舊片子看看,上個星期還又重溫了一次。

那個時候,Anorld還年輕,無論動作、眼神,都不單單是一種硬漢的形象,而是帶著一些智慧,機敏,一點幽默,雖然還沒有現在作為州長的領導風范,不過英雄的形象太深入人心了。

這部片子屬於純粹的商業運作出來的動作片,情節比較簡單,不過很緊湊,有看頭。現在仔細捉摸,還可以看出很多製作方面的細致。尤其是最後,他將掛在飛彈上的恐怖分子發射出去的一個瞬間,可以看到飛彈上懸掛的人,由於速度和空氣的作用,向後飄了起來,蠻爽的。

不過至今還有一個牽掛。就是片子當中的那一段Tango的舞曲,小提琴彈奏的,我在《辛德勒的名單》中也有聽到過,可惜一直沒有找到是哪首曲子,是打動人心的那種調調。
在這部經典娛樂片中,幾乎每個場景、每個段落都有可圈可點之處,甚至連很多個過場戲也神完氣足,絲毫不見鬆懈,稱之為經典絕不算過分。在兩個多小時的影片中,大型的動作場面有四個。雖然不能算太多,但每個都份量十足,令人叫絕。
第一個打鬥場面是影片開頭的序幕,2年以後的《碟中諜》和這個段落有很多相似之處,只不過這是一次成功的行動,而且槍戰場面佔了較多比重。史瓦辛格在雪地殺出重圍的鏡頭不多,但力量、速度、槍法、判斷、鎮定都有所顯示,是展示人物能力的絕佳序幕。觀眾印象最為深刻的是史瓦辛格奔跑之中回頭制服惡犬的鏡頭,輕松鎮定,乾凈利索。
在觀眾從容地看過幾段節奏稍緩,幽默風趣的過場戲之後,影片在前三分之一處准時開始了場面更大的第二場動作戲。史瓦辛格沒費什麼力氣就處理了兩個小嘍羅,開始與「赤色部隊」的恐怖分子頭目阿齊茲正式交手。情節很快轉為史瓦辛格追捕阿齊茲,這次追逐並沒有採用最為俗套的追汽車,而是異想天開地上演了一出馬追摩托的異趣場面。阿齊茲駕駛摩托在前,史瓦辛格縱馬在後,兩人從街頭追到酒店大廳,又從地面追到天台。其中緊張驚險之處自不待言,而幾個幽默鏡頭更令人難忘,酒店大廳的樂隊看到摩托車時已經演奏走調,看到馬匹時發出的聲音簡直令人噴飯;史瓦辛格乘馬入電梯時,一對夫婦的尷尬反應也讓人捧腹。而最後阿齊茲沖下天台,史瓦辛格竟然也要放馬一追,但吊足觀眾胃口之後的結果卻是個小花招,編導高明之處可見一斑。
接下來影片用了一大段時間,以幽默的手法玩味影片片名所指出的「真實的謊言」。這個扣題的段落驚險倒沒有,出色之處在於精彩的情節設計和演員幽默的表演。史瓦辛格在這個「文戲」段落里,演技上顯然落了下乘,風頭都被扮演他妻子的科蒂斯和扮演那個可笑的二手車推銷員的比利·派克斯頓搶了。派克斯頓兩年後主演了《龍卷風》,而本片的角色展示了他喜劇表演方面的天才。
在科蒂斯跳完一段著名的「艷舞」之後,影片進入後半部分。史瓦辛格夫婦聯手,大破恐怖分子基地。幽默的細節始終穿插於緊張驚險的槍戰動作場面之中,使觀眾既得到感官的刺激又保持精神的輕松。這後半部影片就是兩個緊密連接的大型動作場面,精彩之處比比皆是,難以盡數。最為人津津樂道的,就是在跨海大橋上戰斗機攻擊貨車和史瓦辛格直升機上救愛妻以及垂直升降的戰斗機橫行都市的段落。這些大場面的打鬥是整部影片的精華,充分展示了卡麥隆導演豪華場面的能力。
嚴格的說,這部由克勞德·奇蒂(法國著名編劇、導演,最近執導過法國超級大片《對抗凱撒》)編劇的影片,並不代表卡梅隆的真正風格。劇作更加突出影片的喜劇感覺,而不是工業時代的強悍暴力,有不少法國味道的處理。而從畫面上看,卡麥隆已經放棄了強調肌肉和力量,並富有粗糙質感的影像風格,而發展成為一種以銀灰色新材料金屬為代表的後工業影像風格。不能不說,如果卡梅隆沒有這樣一部影片在影像上試驗另一種風格,那麼他恐怕也難以一時適應下一部重要作品《泰坦尼克號》中幾乎完全不同於自己早期影片的視覺效果。在適合的時代,選擇適合的影像風格,是卡梅隆成功的一大關鍵。
這是一部豪華的動作巨片,導演是豪華巨片的高手,演員也是豪華巨片的行家,再加上足夠的財力支持,想不成為經典也難。不過影片最為難得的是對喜劇元素的運用,正是這些幽默的情節和細節才使影片沒有淪為枯燥的豪華大場面集錦。這才是豪華影片成功的秘訣,高下之分正在於此。

⑼ 電影藝術賞析論文範文精選(2)

電影藝術賞析論文範文精選篇2
淺談《紅高粱》中色彩藝術的運用與賞析

[摘 要] 當前,影視作品已經成為人們視覺審美最為重要的一部分,它是一種視覺藝術,圖像是其造型語言,而色彩是其造型語言中最重要的組成元素之一。影視作品的畫面質量直接影響著觀眾的視覺享受,而人的視覺感受在人的感官中最為強烈。電影《紅高粱》是最能反映張藝謀早期風格的一部經典作品。電影中一個個油畫似的場景,勾勒出了一個以紅色為基調的“紅高粱”世界,歌頌黃土高坡上的中華兒女抗日生活的電影,用來祭奠那些激盪在無邊無際的如火如荼的高粱地里的靈魂。

[關鍵詞] 《紅高粱》;色彩藝術;人性;魅力

高粱,象徵著狂野的、自然的人性,它們在風中勁舞,自生自滅,是世間生命萬物的象徵。《紅高粱》對紅色渲染達到了無以復加的地步。紅高粱,紅褂,紅褲,紅轎子,在烈日的灼燒下通紅的漢子背,以及影片最後染滿整個銀幕的鮮血,既象徵了面對惡勢力的踐踏,以最本質的方式進行反抗的原始生命力,也使整個電影充滿了詩情畫意。《紅高粱》,以濃烈的色彩、豪放的風格,歌頌了中華兒女激揚亢奮的民族精神,敘事和抒情結合得恰到好處、寫實與寫意聯系得相得益彰,把電影語言的獨特魅力發揮得淋漓盡致。該部電影充滿了神奇的色彩,它頌揚了人性的本質及生命的不可抗拒,對大自然色彩的運用也達到了登峰造極的境界。

一、電影《紅高粱》的色彩藝術效果

《紅高粱》中所營造出的以紅色為基調的畫面以及恢宏的氛圍,部分來自於作者自身所注入的感情,部分則來自於客觀事物烘托的意境,情境自然結合,“情與景會,意與象通”。這正是影片創作的基礎,同時也是觀眾喜歡的魅力所在。在這部電影意境的營造方面,色彩發揮了至關重要的作用。色彩在電影創作中有助於情感的表達,它主要依賴於人們的聯想來獲得,即人們通過色彩而獲得的感受。

人物的內心深層次的刻畫能夠烘托其復雜的心理活動及其性格特點。而要想在限定的較短時間里,有限的場景中來形象、細致刻畫一個人的內心活動,那就需要能夠讓觀眾看到一個恰到好處的視覺載體,而美術色彩藝術的巧妙作用就恰好可以充當這一載體。張藝謀導演就是巧妙地把色彩藝術運用到《紅高粱》這部影片中,形象刻畫了影片中人物的內心世界。他通過美術色彩的多樣變換,為觀眾准確、清晰展現了片中角色的內心活動及所要表達的思想內容。

該部電影中紅色基調的大量運用,不僅對觀眾產生了強烈的視覺沖擊,也傳達出了影片所承載的象徵意義。人物通過色彩摻入了復雜的感情,使影片人性化。《紅高粱》這部電影通過運用大量的色彩來營造一種紅色中國的意境,進而捕捉觀眾的眼球,以達到產生共鳴的效果。影片中鋪天蓋地的紅色,極具象徵意義。每處場景的色彩、色調無不把片中人物的特點刻畫得淋漓盡致。從最初象徵生命力、如火如荼的紅高粱、紅襖、紅鞋、紅蓋頭,到最後布滿銀幕的血紅色,這些色調極具感染力,經導演的精心設計與故事情節結合得天衣無縫,為全片定下了恢弘壯烈的基調。

二、電影《紅高粱》的色彩賞析

畫面與音樂,作為構成電影的兩大元素,在電影中發揮著舉足輕重的作用。色彩是電影語言的一部分,恰當使用色彩,可以表達不同的情感及感受,有助於電影情緒的准確表達,渲染影片的風格氣氛。同時,音樂在電影中也發揮著不可或缺的作用,而且具有很強的情緒性。音樂是電影中聲音的一種特殊的表現形式,影響著影片的氣質,深化其主體,強化觀眾的心理活動。一部成功的電影,出色的電影音樂是必不可少的。

奪得多項大獎的電影《紅高粱》,算不上張藝謀最經典的作品,卻是最激情的一部。影片自始至終,都致力於表現出感性生命的躁動。《紅高粱》不僅是一部好作品,更是一部很好看的電影。

電影《紅高粱》改編自莫言先生的中篇小說,講述了20世紀二三十年代一夥純朴的農民的狂野生活以及他們浴血抵抗日本侵略者的故事。影片經過演員的成功演繹,頌揚了生命的奔放,敢愛敢恨,大生大死的人生。故事情節跌宕起伏,令人難以預料。節奏鬆弛有度,畫面、色彩、光線及其視覺形象熱烈、活潑。該影片突破了傳統的抗日戰爭題材,在《紅高粱》中,自由奔放、氣勢恢宏的生命躍上了銀幕。與同時代的影視作品相比,戰爭畫面明顯減少,而且不涉及任何政治色彩。影片結束時,戰斗場面十分寫意,雖然不如傳統國產戰爭影片中的場面宏大,人物也不多,但畫面卻更多了幾分震撼。日食、紅霞映襯下的世界,嘹亮的歌謠響徹天地,如血海汪洋的火紅高粱地……

《紅高粱》在觀眾心中留下了深深的戰爭烙印。影片成功在於純美,頌揚了愛就真愛、恨就真恨、敢愛敢恨、大生大死、氣勢恢宏的生命。

和大多數的中國人一樣,張藝謀導演對鮮艷的紅顏色是情有獨鍾,紅色自然成了電影《紅高粱》的主色調。正如大家所了解的,在中華民族的傳統文化中,紅色被視為喜慶和美滿的象徵,後來紅色逐漸被人們賦予了積極、向上、正義、革命的內涵。而且,在美術繪畫領域,紅色也是彰顯個性與烘托氛圍的一種常用手段。

影片《紅高粱》一開始,映入人們眼簾的就是如血海汪洋般的火紅色,影片女主角“九兒”那象徵喜慶的大紅的嫁妝:紅蓋頭,紅褂,紅褲,紅鞋;還有那大紅的花轎;還有那火紅的高粱地,以及在高粱地里讓觀眾心情為之盪漾的野合。這些火紅的畫面一開始就給觀眾帶來了強烈的視覺沖擊,給人們內心帶來了一次紅色的洗禮。雖然整部影片的色調多是紅色的,但並沒有讓觀眾感覺這是打破常規的矯揉造作,而是很自然接受了高粱本就是火紅色的。另外,影片還把那種放盪不羈、肆無忌憚、自由激情和那歡樂愉悅氛圍與紅色的主色調巧妙地結合起來,在紅色基調的襯托下,“爺爺”和“奶奶”的凄美愛情故事姍姍而來。

整部電影由“爺爺”與“奶奶”的相遇、相知、相愛、互助的情感構成。他們通過與世俗觀念的抗爭,最終走到了一起,最後浴血奮戰反抗日本侵略者。影片結尾,女主人公“九兒”和其他漢子們全都死了,“爺爺”和“爹爹”靜靜站在那裡,一動不動,相互凝視著對方,在血紅色的太陽光下相互凝望著,很久很久,直到天空中日食出現時,天空突然暗淡了下來,緊接著出現的還是一種血紅色。張藝謀導演巧妙把美術色彩在這部影片中用到了極致,畫面唯美,故事感人,無限放大了人物的形象,更是對中華兒女的高度歌頌與贊美。影片歌頌了這片荒涼的土地,這段不畏世俗,令人崇敬的愛情故事,並深深頌揚了這塊土地上的那種無拘無束的野性,更表達了對中華兒女不畏強暴、浴血奮戰到底的優良品質。全片表達的就是對原始生命勃勃生機的崇拜之情。

在整部電影中,作者還是保留了大量的個人的風格及其自己主觀的認知.影片較多固定於同一個鏡頭,來刻畫人物的變化過程,吸引觀眾把心沉下來認真觀看。影片多通過近景來刻畫“奶奶”,當“爹爹”在釀酒缸里蹦來蹦去,不停地喊著“娘”時,“奶奶”臉上露出了會心的笑容。然後,“奶奶”注意到了遠處的一個身影,側影映在他身上,襯托出羅漢瘦小的身軀。太陽金色的光環繞在他周圍,暗示著暴風雨即將來臨。“奶奶”焦急地追趕過去,“爺爺”一臉不解,逆光從其身後射來,凸顯他更加憂郁,好想看到了什麼似的,彷彿危機正在來襲,就像光似的壓在他身上,繼而鬼子的掠奪呼之而出。

電影《紅高粱》巧妙地將故事情節串連在一起,一個個油墨潑成的畫面,扣人心弦。整片的高粱地被血色殘陽染成了血紅色,那是被鮮血染成的高粱地,那是象徵著凄涼的殘陽,是“爺爺”“爹爹”失去愛妻、母親後心口的傷疤,是作者對高粱地上中華兒女的歌頌。一塊高粱地被踐踏了,但是還有如血海汪洋的高粱在瘋長著,它象徵著中華民族不屈的生命力,生生不息的文明,也是“爺爺”身上那股野性。“爺爺”身上的野性是原始的、野獸的瘋狂,是中華男子漢所共有的特殊品質,更是中華兒女不畏強暴,奮力反抗的基礎。影片呼籲人們追求真善美,追求勃勃生機的人生。

三、電影《紅高粱》的畫面鑒賞

色彩具有象徵性。人們在各種色彩摻雜的世界裡生活著,培養了很多視覺經驗。這些經驗與外來刺激相呼應,而情感則在其中慢慢升華,深刻地表達著人們的信念和思想,激起了人們的思緒。

出身於攝影師的張藝謀,電影畫面及色彩一直都非常唯美,如有神相助。電影《紅高粱》中的畫面中紅色為影片的主色調。在中國,紅色既代表著喜慶、美滿,也代表著革命。影片中最熟悉的畫面就是那片火紅的高粱地,鬱郁蔥蔥的高粱高過人頭,密得讓人喘不過氣來。秋風襲來,掀起層層波浪,一陣陣清脆的搖擺聲;還有就是那血色殘陽的畫面,“九兒”出嫁,當花轎來到十里坡時,遇到了日本鬼子,最後死在了鬼子的刺刀下。那天的日食把整個世界都染成了血紅色,“娘,娘,上西南,高高的大路,足足的盤纏,娘,娘,上西南……”影片結束時,嘹亮的歌謠響徹天地人間,無邊的高粱地如血海汪洋,“九兒”躺在血泊中,安詳地死去了。暗紅的鮮血把太陽染成了血紅色,血紅的太陽燃燒著,把整個世界都燒成了紅色……這就是影片的結尾

張藝謀對色彩特殊的審美價值運用恰到好處,為觀眾呈現了一個血紅的世界。電影《紅高粱》既有唯美的觀賞性,更有很強的思想性,它的成功與色彩特殊的審美價值的准確把握息息相關。

影片中紅色為主要基調,色彩對於人們的審美觀有著特殊的視覺效應,它可以勾起人們悠遠的遐想,成功喚起人們的視覺體驗。

影片中還有很多唯美的畫面:“九兒”出嫁時的紅鞋、紅襖、紅褲及紅蓋頭,甚至花轎都是紅的;漢子們被烈日曬得發亮的古銅色皮膚以及他們肆無忌憚的光頭;日食時血色汪洋的紅,高粱地里令人喘不過氣來的綠……

四、結 語

在《紅高粱》中,導演張藝謀把視覺享受與造型藝術結合得淋漓盡致,幾乎每一個鏡頭都可看作是唯美的水墨畫。造型藝術也被運用到了登峰造極的地步。在此之前,還從未有人能夠如此把畫面拍攝如潑墨般肆意自如,而且色彩還極為濃厚。那血色殘陽的紅色,既愉悅了人們的視覺享受,又象徵了一種不屈的生命力,一種要愛真愛、要恨真恨、敢愛敢恨、敢作敢為、淋漓奔放、肆意自如的人生態度。兩者成功結合在一起,使人戀戀不舍,回味無窮。

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